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Dioses y demonios en Oriente Medio

2012-01-04T04:14:00.000-08:00

En la antiguedad, en Oriente Medio se adoraban cientos de dioses: cada grupo étnico e incluso cada ciudad tenía sus propios dioses. En general había una gran tolerancia religiosa y los dioses de una región se asimilaban a los de otra. Los panteones sumerio y acadio se fusionaron en épocas antiguas y ya no es posible distinguir sus divinidades. A menudo el prestigio de los dioses dependía de la mayor o menor fortuna de su ciudad de origen; Mardul y Ashur, por ejmplo, llegaron a ser muy importantes debido a la creciente prosperidad de Babilonia y Asiria. Los dioses tomaban con frecuencia forma humana, y se creía que se comportaban como humanos, con las mismas emociones y las mismas necesidades, aunque poseyeran poderes sobrenaturales. Al lado de los dioses había numerosos seres sobrenaturales, buenos y malos: demonios, espíritus, espectros, etc., que tomaban distintas formas y solían combinar características humanas y animales. Se creía que algunos demonios eran responsables de las enfermedades y otras desgracias, lo que daba lugar a complicados rituales destinados a alejar el mal.

Veamos algunos ejemplos de divinidades y demonios: En este ornamento de arreos, de marfil de estilo fenicio, hallado en Kalhu, una mujer desnuda sostiene unos leones y flores de loto. Las diosas desnudas suelen identificarse con la diosa del amor y de la guerra, que los sumerios llamaban Inanna, los acadios Ishtar y en el Levante Astarté. Quizás este ejemplo fue usado en desfiles, ya que parece un material demasiado costoso como para utilizarlo durante una batalla. Figura de bronce que representa el demonio del viento Pazuzu, que solía aparecer con una cara grotesca, cuatro alas, patas de ave, patas delanteras de animal y cola de escorpión. Lleva la inscripción: "Soy Pazuzu, hijo de Hanbi, rey de los demonios del viento del mal". Aunque rey de los demonios del mal, Pazuzu se consideraba benévolo. Los amuletos de bronce con la cabeza de este demonio, usados por las mujeres en el parto para protegerse contra los ataques del demonio femenino Lamashtu, tuvieron gran éxito durante los períodos Asirio tardio y Neobabilónico.

Sobre Piet Mondrian

2011-12-14T09:09:00.000-08:00

En primer lugar, pedir perdón por mi ausencia en la red durante tanto tiempo...por problemas de tiempo, trabajos y falta de creatividad no he podido actualizar el blog. Pero hoy os traigo un tema que a mi me fascina, y que está relacionado con el artista Piet Mondrian.

........................................................................................................................................................... Voy a empezar comentando brevemente los inicios de este artista: Piet Mondrian (1872-1944) fue un artista que inició sus pinturas con figuración.

En 1911 se introdujo en la concepción cubista.

En 1917 entró a formar parte del movimiento neoplasticista, que trataba de conseguir la verdadera visión de la realidad, es decir, lo esencial. Y para conseguir lo esencial, Mondrian escapa de la "visión trágica" que no era otra cosa que la figuración. De hecho, desde 1914 quiso demostrar que en la pintura abstracta se captaba mejor la esencia del mundo que en una representación naturalista.

Ahora damos un gran salto en el tiempo situándonos en el año 1940, cuando Mondrian decide irse a vivir a Nueva York. A partir de entonces, vemos un cabio en la pintura que realizó en américa, pues parece haber participado de una sensación de libertad al huir del ambiente bélico que se respiraba en Europa debido a la 2º guerra mundial. La pintura de estos momentos sufre un cambio, donde podemos observar un nuevo estilo que Mondrian lleva a cabo en sus últimos años. En este nuevo estilo, elimina las lineas negras que habia utilizado en sus obras realizadas en los años 20, las reemplaza por un secuencia rítmica de trazos de colores, dándole a la composición un movimiento rápido y más dinámico. En la obra Broadway Boggie Woggie, manifiesta el dinamismo de la ciudad de Nueva York, pero no sólo refleja la ciudad neoyorkina, ya que también refleja la música que tanto le gustaba: el jazz. Mondrian se siente fascinado por su nueva ciudad, ya que se encuentra ante unas tipologías diferentes a las de Europa (novedad de los rascacielos entre otras tipologías). Y esta fascinación se aprecia en estas obras de sus últimos años en la ciudad de Nueva York, marcadas por ese nuevo estilo que desarrolló. Pero en las obras americanas, la relación con el entorno va más allá de la mera evocación de las luces neoyorkinas, pues también quería plasmar los ritmos de estilos musicales como el jazz o el blues. De hecho Boggie Woggie es un estilo de blues basado en el piano rápido. Por tanto tenemos esa mezcla de las 2 ideas en la obra: la de la ciudad y la de la música.

Pero interpretar esas últimas pinturas como paisajes urbanos abstractos, sería equivocarse en el significado que les daba Mondrian. Pues es más bien como si el pintor impusiera al interminable caos de la metrópoli moderna, su propio diagrana de la armonía universal, y esta armonía universal es lo que siempre buscó en sus obras.

Introducción al lenguaje cinematográfico (1)

2011-09-03T02:30:00.000-07:00

Hoy hablaremos sobre la industria del cine, también considerado arte. Lo que voy a explicar a partir de las siguientes 3 entradas va a ser el proceso de realización de una película desde su punto de vista técnico. ..................................................................................................................... 1º FASE DE PREPARACIÓN (no se graba todavía).................................... Hay que empezar diciendo que el cine es una industria donde se realizan películas con la finalidad de ser exhibidas, y por tanto de conseguir un beneficio económico. Antes de empezar a grabar, se tienen que llevar a cabo una serie de procesos: ..................................................................................................................... -PROCESO DE PRODUCCIÓN- En cuanto a la producción de la película, decir que se intenta cubrir un presupuesto para poder llevar a cabo el proyecto fílmico. El productor ejecutivo es el responsable de la financiación de este proyecto y se tiene que ajustar al presupuesto. La producción de una película también se puede conseguir mediante subvenciones, empresas, bancos... Por otra parte cabe mencionar la importancia de las productoras (que también ayudan con la producción de la película): Twenty Century Fox, Paramount, Metro Golding Meyer...entre muchas otras. También tenemos la coproducción: se trata del reconocimiento por parte de una empresa de no poder llevar a cabo el proyecto fílmico. Por tanto se firman acuerdos con otras compañías, así se asumen los costes de producción y también de lanzamiento. No hay que olvidarse de las cooperativas: se trata de un serie de personas que colaboran aportando su dinero a la producción de la película y luego se benefician de la explotación de la misma. ................................................................................................................... -ELABORACIÓN DEL GUIÓN- Una vez conseguida la financiación de la película, se tiene que desarrollar el guión (la base literaria de la película). Poe se prodemos distinguir las siguientes fases que tiene el guión: *La idea: es el punto de partida sobre el que iniciamos una reflexión sobre algo. *El argumento: se trata de concretar la idea. *Guión literario: se trata de un desarrollo amplio del argumento. Se comentan los personajes y sus respectivas situaciones. También es importante la coherencia en los diálogos, y que haya una continuidad narrativa. *Guión técnico: aqui se incorporan todos los elementos que sean necesarios para el rodaje. Tenemos todo tipo de anotaciones, desde la iluminación, los movimientos de cámara... ................................................................................................................. -CONTRATACIÓN DE LOS EQUIPOS- En este proceso se contratan los equipos (tanto técnicos como artísticos) y también se contrata el estudio donde se grabará la película, o se consiguen los permisos si se graba en el exterior. En cuanto a los equipos técnicos (cada uno cuenta con un responsable máximo): *Equipo de dirección (director, ayudante de dirección, Script) *Equipo de cámaras (operador jefe, ayudantes, foquistas) *Equipo de producción (jefe de producción) *Equipo de montaje (montador jefe) *Equipo de decoración (decorador jefe, es decir, director artístico) *Equipo de sonido (ingeniero de sonido, quien dirige la grabación) *Equipo de maquillaje *Equipo de vestuario En cuanto a los equipos artísticos: *Equipo de actores (actores profesionales, extras, especialistas) *Equipo de música (compositor, director musical, intérpretes) *Equipo de coreografía (coreógrafo, bailarines) ..................................................................................................................... P.D: en la próxima entrada hablaré sobre el rodaje.

Sobre la sinestesia

2011-08-23T12:59:00.000-07:00

Un sinestésico puede, por ejemplo, oir colores, ver sonidos, y percibir sensaciones gustativas al tocar un objeto con una textura determinada. No es que lo asocie o tenga la sensación de sentirlo: lo siente realmente. Los sinestésicos perciben con frecuencia correspondencias entre tonos de color, tonos de sonidos e intensidades de los sabores de forma involuntaria. Por ejemplo, tocar una superficie más suave le puede hacer sentir un sabor dulce. Estas experiencias no son meras asociaciones, sino percepciones. Otro ejemplo, asociar el color amarillo al número 7. Algunos ven colores cuando escuchan música, otros pueden sentir el sabor de las palabras. Otras personas pueden percibir la letra A de color rojo, la S de color amarillo y la Z de color negro. La sinestesia no es un fenómeno frecuente. Veamos un ejemplo de persona con sinestesia: ............................................................................................................ -WASSILY KANDINSKY- Kandinsky, fue un sinestésico pues percibía conjuntamente asociados sonidos y colores. Desarrolló una especial teoría de la sinestesia en De lo espiritual en el arte (1910). No solo escribió varias teorias acerca de como interpretar la música de manera plástica, si no que sus cuadros son pura música, son la mezcla perfecta entre de sonido, color y forma. Hay gente, como Kandinsky, que cuando escucha un fragmento de música ve triangulos azules, puntos rojos, lineas que convergen… A continuación os dejo un video donde se muestra una interpretación de lo que podría ver Kandinsky cuando escuchaba música.

Información sacada de las páginas web: Wikipedia y Retrospectiva. ............................................................................................................... P.D: afirmo que yo también soy sinestésica (de ahí que cada entrada esté asociada a un color determinado, dependiendo de la información y demás).

Principales divinidades romanas

2011-07-27T04:46:00.000-07:00

El mundo de los dioses clásicos romanos bebió de distintas fuentes. Las divinidades más antiguas y veneradas por las familias de Roma eran los dioses antepasados, los dioses del hogar y el acopio de alimentos, los lares y los penates. A los dioses protectores de las familias se les hicieron ofrendas regularmente hasta los últimos años del imperio en los altares de las casas y en las hornacinas de los muros de las fachadas. Júpiter, Juno y Minerva (la tríada capitolina) gozaban de una gran veneración como divinidades institucionales de Roma y se les adoraba en la colina más pequeña de la ciudad, pero también la más central. ...................................................................................................................... Ahora vamos a comentar las principales divinidades romanas: -ESCULAPIO- Dios romano de la medicina. Se corresponde con el Asklepios griego. Sus atributos se representan con serpientes enrolladas en un bastón, piñas, coronas de laurel, una cabra o un perro. El más común es el de la serpiente, animal que, según los antiguos, vivía tanto sobre la tierra como en su interior. Esculapio tenía el don de la curación y conocía muy bien la vegetación y en particular las plantas medicinales. El santuario de Esculapio más antiguo de Roma se erigió en el año 293 a.C, en cumplimiento del dictado de un oráculo, en la isla de Tiber, que se ofrecía como lugar de cuarentena ideal durante las amenazantes epidemias y pestes. Esta tradición perduró en la época cristiana, pues en la actualidad, aún se encuentra allí un hospital. .................................................................................................................... -APOLO- Dios romano de las artes, de la luz y el sol. De origen itálico, hermano gemelo de Diana, la diosa de la naturaleza y de la caza. Como jefe de las musas y director de su coro actuaba como dios patrón de la música y la música. Los atributos más comunes de Apolo eran el arco y la flecha. Entre sus atributos también se incluían la cítara (una versión avanzada de la lira), el plectro y la espada. Entre los animales que le estaban consagrados se incluían los lobos, los delfines y los corzos, los cisnes y cigarras (simbolizando la música). Con motivo de una peste en el 430 a.C, se estableció en Roma el primer templo en los campos Flaminios, reemplazando un antiguo lugar de culto conocido allí como el Apollinare. .................................................................................................................... -BACO- Dios del vino y de los excesos. Se corresponde con el Dioniso griego. Es el dios patrón de la agricultura y el teatro. También es conocido como el ‘Libertador’, liberando a uno de su ser normal, mediante la locura, el éxtasis o el vino. Dioniso lleva el basjaris o piel de zorro, simbolizando la viña y la fauna. Sus propios ritos, los misterios dionisíacos eran los más conocidos por todos. .................................................................................................................... -CÁSTOR Y PÓLUX- Se les suele conocer como los Dióscuros, por ser los hijos gemelos de Júpiter desterrados a los cielos, que ayudaron a los romanos a conseguir la victoria en más de una batalla. El mayor monumento clásico dedicado a los dos héroes, todavía se encuentra actualmente en la colina del Quirinal. Destacaban por sus habilidades físicas. Su fama como atletas se extendió con rapidez y eran ampliamente reconocidos. A ambos se les rindió culto en Roma (en el Foro de esta última había un templo cuyos restos aún hoy pueden contemplarse). ................................................................................................................... -CERES- Diosa de la fertilidad, de la agricultura y los cultivos. Se corresponde con la Deméter griega. Enseñó a los hombres el arte de cultivar la tierra, de sembrar, recoger el trigo y elaborar pan, lo que hizo que fuese considerada diosa de la agricultura. Tenía doce dioses menores que la ayudaban y estaban a cargo de los aspectos específicos de la agricultura: Vervactor, que transforma la tierra en barbecho; Reparator, que la prepara; Imporcitor, que la ara en anchos surcos; Insitor, que siembra; Obarator, que ara la superficie; Occator, que la escarifica; Sarritor, que la escarda; Subruncinator, que la clarea; Messor, que cosecha; Conuector, que transporta lo cosechado; Conditor, que lo almacena; y Promitor, que lo distribuye. Ceres se representa habitualmente con el aspecto de una mujer hermosa, de estatura majestuosa y de tez coloreada, con la mirada lánguida y el cabello rubio cayendo en desorden sobre sus hombros. Además de una corona de espigas de trigo, lleva una diadema muy alta. También suele aparecer con el cuerno de la abundancia. .................................................................................................................... -CUPIDO- Dios del amor y la pasión, hijo de Venus. Se corresponde con el Eros griego. Venus se preocupaba porque su hijo no crecia, así que consultó con el Oráculo de Temis, quien le dijo: “El amor no puede crecer sin pasión”.Venus no entendió hasta que nació su hijo Anteros, que es el dios de la correspondencia y la pasión que corresponde al primero y “no siempre están unidos”. Por eso se representa a Cupido como un niño con alas, para indicar que “el amor pasa pronto”,y con los ojos vendados para probar que el amor “no ve el mérito o demérito de la persona a quien se dirige”, ni sus defectos, mientras se fija en ella. Cuando Anteros y Cupido andaban unidos, este se transformaba en un joven hermoso, pero cuando se separaban volvía a ser un niño con los ojos vendados un amor “travieso y ciego” como era representado. .................................................................................................................. -DIS PATER- Dios del inframundo, que junto con su mujer Proserpina, reinan sobre los muertos. .................................................................................................................. -FAUNO- Dios de los bosques. Se corresponde con el Pan griego. Una de las divinidades más populares y antiguas. Realizó muchos servicios a la agricultura y la ganadería. .................................................................................................................. -JUNO- Diosa del matrimonio y del hogar, esposa de Júpiter. Se corresponde con la Hera griega. Forma parte del grupo de las divinidades de la tríada capitolina. Muchas veces vemos como Juno monta en cólera y tiene ataques de celos terribles contra las mujeres que cortejaba Júpiter. Los animales que le son consagrados son la vaca y el pavo real. .................................................................................................................. -JÚPITER- Dios supremo (principal deidad). Se corresponde con el Zeus griego. También se asociaba con el dios de la tempestad (rayo, trueno y lluvia), pero también se vinculaba con el dios de los derechos, juramentos y la moral. Fue el dios jefe de la tríada capitolina, que formaba junto a Juno y Minerva . Júpiter era retratado como un dios sabio y justo pero tenía un gran temperamento, reinaba sobre la tierra y el cielo y sus atributos eran el águila, el rayo, y el cetro. Uno de los defectos de Júpiter era su promiscuidad y para realizar sus conquistas amorosas, se transformaba en animales como cisnes, toros o pájaros, pues él no podía ser visto en toda su gloria. El Templo de Júpiter del Capitolino fue el mayor templo de Roma dedicado a este dios. .................................................................................................................. -MARTE- Dios de la guerra y las luchas bélicas. Se corresponde con el Ares griego. Se le representa como a un guerrero con armadura y con un yelmo encrestado. El lobo y el pájaro carpintero eran sus símbolos. Reconocido por su armadura de bronce y por la lanza que utilizaba en batalla. .................................................................................................................. -MERCURIO- Dios del comercio y de los mensajeros. Se corresponde con el Hermes griego. Mercurio también era considerado un dios de la abundancia y del éxito comercial. Representado con unas sandalias aladas, un cetro y casco en la mayoria de las representaciones. ................................................................................................................. -MINERVA- Diosa de la sabiduria, de las artes, de las técnicas de la guerra. Se corresponde con la Atenea griega. En sus estatuas e imágenes se le da una belleza simple, descuidada, modesta, impresionando su nobleza, fuerza y majestad. Suele llevar el casco, una pica en una mano, un escudo en la otra y la égida sobre el pecho. Generalmente aparece sentada, pero cuando está de pie tiene siempre, con la actitud resuelta de una guerrera, un aire meditativo y la mirada fija en altas concepciones. También suele aparecer con la lechuza, símbolo de inteligencia. ................................................................................................................. -NEPTUNO- Dios de los mares y océanos. Se corresponde con el Poseidón griego. Neptuno gobierna todas las aguas y mares. Cabalga las olas sobre caballos blancos. Todos los habitantes de las aguas deben obedecerlo. Neptuno eligió el mar como morada y en sus profundidades existe un reino de castillos dorados. Con su poderoso tridente agita las olas, hace brotar fuentes y manantiales donde quiera y encauza su ira provocando los temibles seismos o terremotos. Neptuno no viste con ropajes suntuosos, ya que su aspecto es suficiente para demostrar su poderío. El dios de los mares es muy peligroso e inestable elemento, con sus emociones puede provocar desde terribles tormentas y tempestades hasta olas tranquilas y pacíficas, por lo que nunca nadie intenta provocarlo sin un importante motivo. ................................................................................................................. -VENUS- Diosa del amor y la pasión, pero también se le consideraba una diosa protectora y del hogar. Se corresponde con la Afrodita griega. ................................................................................................................. -VESTA- Diosa del hogar. Se corresponde con la Hestia griega. Era una diosa muy venerada, cuyo culto lo ejercían unas sacerdotisasvírgenes, las vestales, en el templo circular del foro Romano. Las violaciones del voto de castidad se castigaban con el entierro en vida de la "delincuente". ................................................................................................................. -VULCANO- Dios del fuego y los metales. Se corresponde con el Hefesto griego. Tiene sus raíces itálicas más antiguas como dios de los volcanes. forjador del hierro y creador de armas y armaduras para dioses y héroes.

La arquitectura de Loos

2011-06-25T15:39:00.000-07:00

Adolf Loos (1870-1933) fue un arquitecto austríaco. Fue considerado uno de los precursores del racionalismo arquitectónico. Fue el pionero del movimiento moderno que suponía desornamentación y ruptura con el historicismo. Sin duda se trata del hombre que cambió la arquitectura moderna occidental (sin él no podemos ver a Le Corbusier y compañía). Afirmaba que las tipologías arquitectónicas debían ser funcionales (él eliminó el ornamento en sus construcciones, pues apostaba por un estilo más sobrio y fino).

Por otra parte, lanzaba críticas hacia el modernismo, se presentía una revolución arquitectónica:

.................................................................................................................... -AMERICAN BAR- 1908 El exterior presenta pilares forrados de mármol. También aparece un cartel con una bandera americana formada por una serie de azulejos. Pero su interior cambia totalmente, pues tenemos un espacio pequeño pero donde se aprovecha cada milímetro. Tenemos una pared de cristal y también utiliza la madera de ébano. Destacar el techo, pues presenta artesonado de madera. -SASTRERÍA GOLDMAN & SALATSCH- 1912 Edificio que se encuentra dividido en 2 alturas. La primera presenta mármol verde; y la segunda (que sería la parte alta) se convierte en una superficie lisa, sin ornamentación (sólo ventanas). Este edificio se encuentra en el centro de Viena, justo en frente del palacio imperial de Viena. -CASA STEINER- 1910 A principios del siglo XX se dedicó a hacer una serie de casas y villas familiares. Destaca la idea de funcionalismo. Esta casa estaba destinada para que viviera en ella una familia. Destacan sus volúmenes lisos, sencillos, que ponen de manifiesto la nueva arquitectura. Loos diseña el interior teniendo en cuenta la importancia del espacio. Pero no hay simetría. Otro aspecto a destacar son las ventanas, que sólo las coloca donde son necesarias, aunque no haya simetría entre ellas. Otros ejemplos de casas realizadas por el arquitecto Loos serían las siguientes (casa Tzara, casa Moller y casa Müller, están colocadas en ese orden):

¿Sabías que...?

2011-05-24T01:00:00.000-07:00

Hubo un rey llamado Abgar que mandó al pintor Ananias que le llevase un retrato de Cristo (la fotografía de arriba). El rey estaba enfermo, y al conocer la leyenda sobre Cristo (que era capaz de curar a los enfermos), ordenó a dicho pintor que le entregase un retrato de él. El pintor intentó pintarlo, pero le era imposible porque brillaba mucho. Fue entonces cuando el propio Cristo le dijo al pintor que le acercase un paño/toalla, para que de esa forma le pudiera retratar (Cristo quería ser retratado). Este paño/toalla se le conoce como mandilium (Cristo sólo podía ser retratado con el paño, porque sino brillaba mucho y no se le podía ver). De ahi que Cristo aparezca sobre esta especie de paño/toalla en las representaciones. El mandilium es la verdadera imagen de Cristo, por eso el resto de las imágenes debían parecerse a la imagen de Cristo que aparecía en el mandilium. Por esta razón, la mayoría de las veces a Cristo se le representa de la misma manera (con pocas variaciones) a lo largo de la historia. P.D: esto es sólo una leyenda, pero muy interesante. Esta leyenda permite responder a la siguiente pregunta: ¿porque a Cristo se le representa siempre igual a lo largo de la historia? ....................................................................................................................

Santuario de la fortuna primigenia

2011-03-12T04:07:00.000-08:00

Antes de empezar a hablar sobre este santuario, debemos hacer un breve contexto histórico.

Nos encontramos entre los siglos II-I a.C. En este período se produce la conquista de grecia por los romanos. Los romanos van a utilizar las formas griegas para sus construcciones, pero utilizando elementos nuevos. En esta nueva sociedad romana surge una nueva arquitectura que utiliza nuevas técnicas: arcos y bóvedas. Asi como nuevos materiales: hormigón y ladrillo. Es importante comentar que aparecen nuevas tipologías vinculadas con las comodidades de la nueva sociedad, como pueden ser los puentes, acueductos, termas... Por otra parte nos vamos a encontrar con una serie de santuarios, realizados en las afueras de Roma. ................................................................................................................... -SANTUARIO DE LA FORTUNA PRIMIGENIA- Este santuario está colocado en un lugar sagrado. Tiene un cierto caracter propagandístico. Destacar el pequeño templete situado en la parte superior, que estaba dedicado a la Diosa fortuna. En estos momentos la arquitectura romana todavía se estaba ensayando. Tenemos las inflluencias de la sociedad griega. Este santuario se construye mediante una serie de terrazas. Cada terraza es una estructura en si misma. Esto se vincula con la idea de la ascensión, tanto física como metaforicamente. En relación con esto último, podemos comentar también que en dicho santuario observamos un eje direccional, donde también predomina la simetría. Por otra parte tenemos una serie de bóvedas de cañón en paralelo colocadas en la gran terraza (antes de llegar a esa especie de teatro). Vemos también columnatas donde predominan los órdenes griegos, pero que cumplen una función simplemente decorativa. Los romanos para el exterior de los edificios utilizaban ese "barniz" que llevaba la tradición, aunque el interior de los edificios fuese totalmente innovador (con bóvedas). Los pórticos llevan consigo bóvedas de cañón corridas, en vez de usar vigas de madera como utilizaban los griegos. Los griegos ya conocían las bóvedas pero no sabían explotarlas. En este santuario se juega también con elementos teatrales (las formas de la propia arquitectura, esa idea de la ascensión...) Se accedía a través de unas rampas colocadas en los extremos del conjunto. Luego había unas escalinatas también en los extremos. En el siguiente nivel se pasaba por otra rampa cubierta con bóveda de cañón (esta rampa era oscura y estrecha, donde sólo se veía una pequeña luz al final del recorrido. Era como una forma divina de conectar con el mundo de los Dioses). Al salir de esta rampa cubierta había que volver a subir por una escalinata hasta llegar a una gran terraza descubierta, que conectaba con ese teatro y el pequeño templete dedicado a la Diosa fortuna.

Sobre los Petroglifos

2011-01-29T14:04:00.000-08:00

Cabe mencionar que el área de máxima concentración de rocas con grabados se da en la región occidental de Galicia. Es un área geográfica que además se corresponde con la mayor variedad de tipos y las expresiones estéticas más logradas.

La erosión del granito ha alterado decisivamente las huellas dejadas en el proceso de elaboración de los petroglifos, pero gracias al estudio de la forma de sus surcos, se puede considerar que posiblemente el sistema más generalizado para hacerlos fue la percusión con un instrumento lítico apuntado. En cuanto al repertorio temático, decir que no es muy variado, y usualmente no tiene nada que ver con lo figurativo. Se distinguen 2 grupos de temas: los motivos meramente geométricos y los naturalistas, entendiendo como esto último una representación de figuras en las que al menos pueden identificarse como cuadrúpedos o figuras humanas. Veamos algunas variedades temáticas: -CAZOLETAS: son hoyos hemisféricos excavados en la roca. Su diámetro no suele pasar de los 5 centímetros. Pueden aparecer aislados, en grupo o asociadas a otros temas. -CÍRCULOS: combinaciones circulares que tienen numerosas variantes. -ZOOMORFOS: el 3º de los grandes tipos representados en las rocas al aire libre. A veces es dificil establecer una clasificación por la esquematización que presentan. Tenemos un predominio de los ciervos, seguidos de los caballos y de las serpientes. Pueden aparecer aislados, asociados a otros temas formando complejas composiciones. -ANTROPOMORFOS: la representación humana es escasa y suele aparecer asociada a otras figuras formando escenas de caza o pastoreo. -IDOLIFORMES: en un número muy reducido aparecen figuras de ídolos-cilindro. -ARMAS: salvo un par de casos, las rocas donde aparecen varios tipos de puñales, con clavos en la base y posiblemente escudos, están concentradas en la provincia de Pontevedra (Galicia, España). Pero no sabemos hasta que punto tenemos la existencia de diversas "escuelas" locales que tienen preferencia a la hora de elegir los temas. Simplemente puede tratarse de diferentes momentos dentro de una tradición. Algunos investigadores relacionados con la arqueología del paisaje han planteado que los petroglifos pueden identificarse como "señales". Otras teorias apuntan que estos petroglifos podrían delimitar un territorio, es decir, podían funcionar como delimitadores territoriales. El conjunto gallego se presenta como uno de los más peculiares y ricos de su época dentro del contexto tanto europeo como mundial. Es un arte poco narrativo, donde destaca el carácter simbólico, que refleja aspectos seculares y religiosos de la mentalidad de la época. Se tienden a fechar sus inicios a finales del Calcolítico, mientras que su desarrollo pleno se asienta durante la Edad del Bronce (1800-700 a.C) y tenemos perduraciones tardías hasta la Edad del Hierro. -PETROGLIFOS A PEDRA DA FERRADURA- (CIERVOS, ÍDOLOS-CILINDRO, ESVÁSTICAS) -DETALLE PETROGLIFO (CÍRCULOS, LABERINTOS)

Sobre la arqueología

2010-12-30T02:27:00.000-08:00

Cuando tenía tan sólo 9 años, se despertó en mi una gran fascinación por el mundo arqueológico. Influenciada por peliculas como La Momia o la trilogía de Indiana Jones. La vida me ha llevado a estudiar una carrera maravillosa: HISTORIA DEL ARTE, pero... ¿porque nosotros no podemos especializarnos en arqueología como los de historia? Todavía es un misterio para mi, porque pienso que estamos igual de capacitados que ellos para reconocer los distintos períodos históricos, así como los diversos objetos. Y después de este párrafo, voy a hablar sobre la arqueología.

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La arqueología es una ciencia en evolución. Si se hubiera planteado hace unos siglos qué es la arqueología, la respuesta habría sido casi unánime, y la investigación arqueológica se habría relacionado con la historia del arte antiguo. El arqueólogo era considerado un personaje singular, fuera de su época, con la mente orientada al pasado. Pero hoy ya no es asi. A la pregunta inicial muchos responderían que el trabajo de los arqueólogos es útil para reconstruir la historia de un pasado lejano o incluso próximo. En la actualidad se demanda de un arqueólogo que saque a la luz no solamente obras de arte en particular, sino también documentos, materiales que permitan reconstruir sobre bases objetivas el desarrollo de una civilización. No podemos tener contacto directo con el mundo antiguo si no es a través de los hallazgos, a veces realizados casualmente, o de los testimonios literarios que nos han llegado de las distintas civilizaciones. Una pregunta que se plantea con frecuencia a los arqueólogos es la relativa a los métodos de investigación que conducen al descubrimiento de una zona arqueológica. Hay que responder que en ocasiones se hacen descubrimientos importantes por pura casualidad, durante trabajos agrícolas o cada vez con más frecuencia durante obras de construcción. Sin embargo el trabajo del arqueólogo no depende del azar y las investigaciones se llevan a cabo según métodos ya experimentados. ¿Como se llega entonces a realizar un descubrimiento? En primer lugar, es necesario consultar todo lo que ha sido escrito sobre la zona que se va a investigar, incluida una valiosa documentación de archivo, y puesto que no se han publicado todos los descubrimientos pueden servir de ayuda las notas de arqueólogos, anticuarios y eruditos del pasado. Otra fase importante es el reconocimiento de campo, donde la existencia de posibles restos de estructuras antiguas o de material en fragmentos (cerámicas, enlucidos, tejas, teselas...) podrían indicar una ocupación en la antigüedad. El objetivo de una excavación no es solamente sacar a la luz un edificio o una obra de arte, sino también hacer entender las relaciones entre el monumento y el contexto al que perteneció. La excavación se convierte así es uno de los principales instrumentos de investigación para el arqueólogo. Sin embargo, la adquisición de datos en arqueología implica inevitablemente el empleo de procedimientos destructivos. La tierra siempre ha sellado el pasado en estratos o capas denominados unidades estratigráficas (UE), y a través de ellos el arqueológo recorre hacia atrás el camino valiéndose precisamente del método estratigráfico. Los sedimentos que dieron origen a los estratos pueden ser de tipo antrópico (generados por la acción del hombre, como construcciones, derribos, incendios o acumulaciones de materiales), o del tipo natural, causados por fenómenos orogénicos (deformación de la corteza terrestre), erosivos (agua y viento) y catastróficos. La excavación estratigráfica sigue procedimientos estandarizados, por lo que se puede aplicar en todos los lugares y para todas las épocas. En los últimos años la ciencia arqueológica ha registrado grandes transformaciones, sobre todo por el uso de métodos y técnicas cada vez más evolucionados y combinados con otras disciplinas. Desde su nacimiento como ciencia independiente, la arqueología ha hecho uso de metodologías propias de otras disciplinas, como la geografía, la antropología, la sociología y la lingüística, y se ha valido también de la colaboración de biólogos, químicos, médicos y geólogos. La datación permite enmarcar históricamente un objeto o el estrato donde ha sido hallado determinando términos post quem y ante quem de un contexto. En muchos casos puede ayudar a establecer si se trata de una falsificación. El arqueólogo, que no siempre puede contar con elementos que faciliten la datación, para realizarla debe recurrir también al análisis de laboratorio. Las diferentes técnicas empleadas, según el material a datar, permiten obtener dataciones de tipo absoluto (es decir, fechas de calendario expresadas en años a partir de hoy) o dataciones relativas. Las principales técnicas para las dataciones relativas son la estratigrafía, la seriación y también análisis químicos. Entra las técnicas más utilizadas para las dataciones absolutas (también llamadas cronométricas) se encuentran la del carbono 14 (radiocarbono), la del potasio-argón y la que emplea la termoluminiscencia.

Virgen de Brera

2010-12-12T01:36:00.000-08:00

En primer lugar hay que destacar el promotor de esta obra, Federico de Montefeltro (1422-1482). Este personaje fue un condottieri del renacimiento italiano y duque de Urbino desde 1444 hasta su muerte. Es importante comentar que en esta obra aparece representado, pero enseñando su perfil izquierdo (como aparecía siempre que lo retrataban), ya que durante una de sus primeras campañas perdió el ojo derecho, quedando una gran cicatriz. Por eso enseña su "lado bueno". En cuanto al pintor, que fue Piero della Francesca, comentar que está considerado como el primero en intentar aplicar de manera sistemática la perspectiva geométrica a la pintura. ....................................................................................................................... -ANÁLISIS DE LA OBRA- El esquema de la composición es el siguiente: en el centro vemos a María con el niño dormido en una extraña posición. A cada lado de la virgen observamos a 3 santos y a 2 ángeles. La escena se desarrolla en un espacio dominado por un arquitectura de marcado carácter renacentista, especialmente la bóveda de cañón que se cierra en forma de concha de la que cuelga un huevo de avestruz. Los casetones se encuentran decorados con elementos florales y tienen un relieve considerable, creando la sensación de estar en un palacio más que en un espacio sagrado o celestial. La luz ilumina todas las figuras, reforzando el carácter escultórico y contribuyendo a la formación del espacio de la escena. También sirve para aumentar el efecto de autonomía de los personajes que aun estando muy unidos entre si, cada uno se encuentra distante de su compañero. La virgen es más grande que los demás personajes, y el mismo Federico de Montefeltro está colocado más al exterior para respetar el aura sagrado que se crea en torno a la virgen con el niño y los santos. ........................................................................................................ -INTERPRETACIONES SIMBÓLICAS- * HUEVO: al huevo que cuelga en la parte superior, y que señala al ombligo del niño, se le pueden atribuir muchos significados simbólicos. Se puede entender como símbolo de vida o nacimiento, ya que cuelga de una concha (símbolo de fecundidad). También puede simbolizar el signo de nacimiento de una virgen. Por otra parte el pintor pudo haber elegido este símbolo por la forma geométrica perfecta. *COLLAR: el niño Jesús sostiene en su mano un collar de coral rojo, que hace referencia a la sangre. Es como un símbolo de la vida y de la muerte, pero también de la función salvífica ligada a la resurrección de Jesucristo.

Pazo de Bóveda

2010-11-21T05:15:00.000-08:00

Este es un pazo que se encuentra en plena Terra Chá (Lugo- Galicia). Realizado por Domingo Lois Monteagudo por un encargo del canónigo Don Juan Francisco Suárez y Oca. El arquitecto se decantó por una obra que podía constituir una propuesta innovadora en cuanto a la tipología del pazo gallego, ya que rompía definitivamente con la barroca e introducía en Galicia el influjo palladiano (que tan decisivo iba a ser en la configuración del neoclasicismo). Es importante destacar que el arquitecto siguió manteniendo las paredes de la primitiva casa como elemento nuclear de la nueva obra. No sólo se retiró a un segundo plano la vieja fachada principal, sino que obligó a elaborar un proyecto de fuerte horizontalidad que le diese al edificio un aire solemne, amplio. Aunque Domingo Lois Monteagudo mantuvo las paredes de la antigua casa como elemento nuclear de la nueva obra, debió reelaborar por completo la organización interior del edificio. No sabemos nada de la planta inferior, salvo que estaba destinada a las dependencias agropecuarias. La planta superior es un modelo de organización calculada que se estructura alrededor de un amplio vestíbulo cuadrado y central. En este pazo existe un deseo de acomodar la organización funcional del espacio interno a normas de estricta simetría. Son clásicas, en definitiva, la idea de definir con absoluta claridad el volumen del edificio, la sobriedad de su lenguaje ornamental o su enfática simetría que impera en la fachada y que busca exaltar con los mínimos elementos posibles la nobleza y el talante de su dueño.

Características del Neoclasicismo

2010-10-31T03:50:00.000-07:00

Fue un movimiento que se produjo en Europa en el siglo XVIII como reacción al mundo anterior barroco. El siglo XVIII es una época de grandes cambios, ya que el pensamiento ilustrado pretende acabar con la exaltación barroca y con su carácter escenográfico, con la personalización del poder y sobre todo con los excesos decorativos del rococó. El neoclasicismo (1750-1800) responde a esta necesidad poniendo la arquitectura al servicio del racionalismo, el orden, la armonía y los principios humanistas. En su esencia, se trata de una vuelta a la antigüedad grecorromana. ............................................................................................................................ En cuanto al mobiliario, los diseñadores que lo inspiran vuelven a las fuentes griegas y romanas en vez de a las renacentistas, pero adaptadas con mucho gusto al siglo XVIII. Los muebles neoclásicos eran simples y geométricos con patas rectas que se iban estrechando de sección redonda o cuadrada. En los muebles neoclásicos se usaba distinta ornamentación como pueden ser los medallones, dentículos, molduras corintias, jónicas o dóricas y se usaban maderas como el ébano o la caoba.

El megalitismo: túmulos en Galicia

2010-10-23T04:48:00.000-07:00

A lo largo y ancho de toda Galicia se encuentran dispersos miles de TÚMULOS, que a menudo son facilmente perceptibles en el paisaje. Su forma es aproximadamente la de un casquete esférico que presenta un embudo en su parte superior. Su planta es circular, en ocasiones con tendencia elíptica y sus dimensiones son variables. En un número relativamente alto de túmulos se aprecia la existencia de una cámara, compuesta por piedras de grandes dimensiones, a veces cubierta por una gran losa. Estos túmulos, conocidos con los nombres de mámoa, medoña, modia...se extienden por toda la región. Las necrópolis no sólo están al servicio de la muerte, ya que es posible que algunas hayan servido de testigo no unicamente de la comunidad de los muertos, sino también de los vivos. ..................................................................................................................... -PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS ARQUITECTÓNICAS DE LOS TÚMULOS- Están constituídos por sedimentos y piedras, presentando en ocasiones un anillo de piedras que rodea su perímetro basal, aunque también se conocen anillos alrededor de la cámara. Con cierta frecuencia la masa tumular está recubierta de un enlosado a modo de coraza pétrea que sólo deja al descubierto la gran piedra de cubierta de la cámara. La función de la coraza y de los anillos ha sido objeto de varias interpretaciones. A la coraza se le atribuye una finalidad protectora. Cumple varias funciones al servicio de la monumentalidad, tales como preservar la forma y dimensiones primitivas del monumento y, por la naturaleza de la piedra, marcar el contraste entre éste y su entorno de un modo rotundo. A continuación comentar las diferentes partes: *Anillo basal: en algunos monumentos se aprecia un anillo de piedras que delimita todo el perímetro de un túmulo hecho de sedimento. A este tipo de anillos basales se le atribuyen 2 funciones (una protectora del túmulo, para que éste no pierda la forma y dimensiones por la parte inferior; otra sería de carácter ritual delimitando la arquitectura con respecto al entorno-el mundo de los vivos-). *Anillo central: hasta ahora son pocos conocidos, puesto que para localizarlos es necesaria una cuidadosa excavación en el túmulo. Pero realmente su escasez y su desarrollo permiten considerar que su presencia no es necesaria desde el punto de vista estrictamente funcional. *Anillo interior: se encuentra apoyado en las caras externas de las piedras de la cámara, por lo que su aparente funcionalidad parece evidente. *Cámara: una parte importante de los túmulos alberga en su interior, en posición central, una cámara compuesta por piedras de tamaño regular o grande. A menudo presenta un hueco o puerta de acceso unido a un corredor que comunica con la parte externa del túmulo. La cármara es el área donde se concentran los hallazgos del ajuar, suele estar situada en la zona central del monumento y en algunos casos la pintura y el grabado se limitan a este recóndito espacio interior. *Corredor: por lo general es corto hasta el punto de que en ocasiones puede plantear dudas sobre su funión. En pocos casos alcanza gran desarrollo y contiene alguna manifestación artística como grabado o pinturas. En la siguiente fotografía nos encontramos con diferentes tipos de túmulos:

El "santo dos croques"

2010-10-10T03:24:00.000-07:00

Por muchos es conocido el "Santo dos croques", la estatua situada en el conjunto escultórico del Pórtico de la Gloria (en el interior de la catedral de Santiago de Compostela). La estatua aparece arrodillada tras el basamento del parteluz del pórtico, en el eje de la nave central de la catedral, que se prosterna ante el altar mayor de la basílica. Se considera que representa al maestro Mateo. Por esta creencia surgió la excepcional liturgia de golpearse (ligeramente) la frente contra su cabeza para adquirir, en una suerte de magia, parte de su sabiduría y habilidad. Esta escultura tiene cabellera rizada con los mismos caracolillos de algunas estatuas del Pórtico de la Gloria (como el profeta Daniel). Dicha estatua mira al altar mayor de la catedral de Santiago. Viste una túnica delgada que en parte ciñe su cuerpo, encima lleva un manto abrochado sobre el hombro. Con su mano derecha se golpea el pecho y con la otra sujeta una larga cartela en la que , según escritores de mediados del s.XX, estaba grabada la palabra: "ARCHITECTVS" (hoy borrada) que se complementaba con las todavia visibles letras incisas en el basamento del parteluz: "FEC" abreviatura de fecit, es decir, que identificaba a este personaje con el arquitecto de la obra. Se trataría pues del propio maestro Mateo que, devotamente, se arrodilla ante el apóstol Santiago para ofrecerle su obra. De ser cierta esta interpretación el "Santo dos croques" sería una nueva anticipación de tan genial maestro que, quizá por vez primera y solemne, introduce en el arte hispano la presencia del donante que no es quien encarga la obra, sino el artista que asume el protagonismo en su obra.

Crónica de una visita a Paris

2010-10-01T09:40:00.001-07:00

-23 de septiembre: cogimos el avión (con retraso) destino a París. Después de dar unas cuantas vueltas para salir del aeropuerto, conseguimos coger el tren que nos acercó a la ciudad. Una vez que conseguimos llegar a la ciudad, nos preparamos para coger el metro que nos llevó a nuestro hotel (no fue nada fácil...) -24 de septiembre: despues del madrugón nos atrevimos a coger el metro de nuevo (!!) llegando a nuestro primer destino: MUSEO DEL LOUVRE. Pasamos 6 horas alli dentro, paramos unas cuantas veces a descansar pero el resto las disfrutamos contemplando las maravillas que alli se exponen (sobre todo las salas dedicadas al arte antiguo). Al terminar de ver semejante museo-palacio, nos quedaron fuerzas para descansar en el parque que estaba al lado del Louvre, observando el arco del carrusel. De vuelta a casa, decidimos hacer un pequeño desvío para ver la iglesia de Notre-Dame, porque aunque sea todo restaurado merece la pena verla. -25 de septiembre: de nuevo madrugón. Volvimos a coger otro metro que nos acercó hasta el MUSEO DE ORSAY. Esta vez no estuvimos tanto tiempo dentro del museo, pero disfrutamos tanto como en el museo del Louvre. Una vez visto el museo, nos dirigimos hacia la iglesia de la Madeleine (mucho más bonita por fuera en mi opinión) y tras quedar horrorizados por las tiendas de souvenirs que hay en su interior, salimos. -26 de septiembre: madrugón como hasta ahora. Metro como todos los dias (esto empieza a ser rutinario jaja). Pero para variar nos alejamos del centro de París para visitar una "pequeña" iglesia desconocida por muchos y que tiene una gran importancia. Estamos hablando de la iglesia de SAINT-DENIS (donde se dice que empezó el gótico). Tuvimos que esperar a que terminase el acto litúrgico para poder acceder a los lugares donde antes no se podia estar (cripta y cabecera). Después de estar media hora observando las preciosas vidrieras de su cabecera, decidimos bajar hasta la cripta, donde nos encontramos con numerosos sepulcros (algunos de ellos vinculados con monarcas franceses). Cabe destacar el sepulcro de Clovis en la cabecera de la iglesia (fundador de la misma). Por la tarde de ese mismo dia, regresamos al centro de París para visitar el POMPIDOU (museo de arte contemporáneo), donde pudimos ver a un artista llamado Arman que exponía algunas de sus obras relacionadas con el arte de la postguerra (2º mitad del 1950). Pero lo más interesante se reservaba para el final, una inmensa sala dedicada a las numerosas vanguardias del s.XX. Yo no podía contener la emoción de estar delante de varias obras del mismisimo WASSILY KANDINSKY (!!!!!!!!!) -27 de septiembre: madrugón. Metro al centro de París. Esta vez tuvimos la ocasión de presenciar una exposición única en el PALAIS ROYAL sobre el pintor impresionista Claude Monet, ya que trajeron obras que normalmente no facilitan. Después de esperar una cola de casi 2 horas, conseguimos ver esas obras que se encuentran dispersadas por todo el mundo. Más tarde, a la salida de la exposición nos dirijimos hacia una pequeña capilla situada en el corazón de París, estamos hablando de la SAINTE CHAPELLE (desgraciadamente su cabecera se encuentra en obras hasta el 2013). Lo mejor es subir y encontrarse con esa explosión de colores provocada por las numerosas vidrieras que presenta dicha capilla. -28 de septiembre: madrugón. Metro al centro de París. No podíamos marchar de París sin visitar la TORRE EIFFEL (como es tradición en todo turista), asi que cumplimos con el reglamento. También decidimos acercarnos a la iglesia de SAINT GERMAIN DES PRES, bastante señalizada y conocida en la zona. Por la tarde regresamos a españa, a nuestra querida ciudad SANTIAGO DE COMPOSTELA. Sin duda un viaje inolvidable. Le mando saludos a mi acompañante en este viaje. P.D: hogar dulce hogar (con precios normales jajaja)

Nuevo blog de arte

2010-09-16T14:27:00.000-07:00

Hoy me gustaría anunciaros la creación de un nuevo blog relacionado con el arte. Y digo relacionado con el arte, porque depende de nuestros gustos y puntos de vista que sea o no objeto de ser elevado a categoría artística. Viene a ser un blog que critica numerosas "obras" del arte conceptual. Lo que pretendemos, un buen amigo mio y yo con la creación de este blog, es crear un amplio campo de debate, donde cada uno puede exponer su opinión libremente (faltaría más...) ante las numerosas imágenes que se irán colocando en el blog. Esperamos que participeis, ya que podría ser divertido. Para entrar en el blog pinchar AQUI. P.D: "Modelo de caucho" obra de Richard Serra P.D2: "Botellero" obra de Marcel Duchamp P.D3: "Azul III" obra de Joan Miró

Mi primera obra

2010-08-26T12:08:00.000-07:00

- "Texturas" - Óleo sobre lienzo - 18x14 cm ........................................................................................................................................ Después de tanto tiempo, me he animado a realizar mi primera obra artística. Y a pesar de todo, no me he basado en ningna obra en particular. Simplemente dejé salir el lado creativo, y ahi teneis el resultado. ¿Qué es? ¿Qué quiere transmitir? la respuesta es...NADA!! Hay muchos cuadros abstractos que si pretenden reflejar un significado, pero en mi caso no pretendía enseñaros ninguno. Si ahora alguien me dice que ve un marco de una ventana en primer plano, con 2 gotas gigantes en uno de los cristales, es pura casualidad!! A veces se le da un significado a las obras sin saber si de verdad lo tiene (no tiene porque haber significado). Puedo decir que me he basado en Pollock o en Mark Rothko, pero no en sus respectivas obras, si no en su idea de arte como proceso creativo (y punto final). ......................................................................................................................................

Sobre el antiguo egipto

2010-08-23T03:04:00.000-07:00

-VIDEO SOBRE LAS PIRÁMIDES- -VIDEO SOBRE LAS TUMBAS EGIPCIAS- P.D: todo viene perfectamente explicado en los videos, por tanto sobran las palabras. Espero que disfruteis del contenido tanto como yo.

Sobre la Catedral de Zamora

2010-08-10T02:58:00.000-07:00

La construcción de esta catedral se remonta al año 1151, pero fue consagrada en el 1174 aunque sus obras continuaron hasta bien entrado el s. XIII. Su planta es de 3 naves de 4 tramos cada una, tiene un crucero ligeramente marcado en planta y una cabecera tardo gótica (ca 1500) que sustituyó a la original, que era triabsidial. Con respecto al transepto, decir que se cubre con bóvedas de cañón apuntado, las naves laterales con bóvedas de arista, y la nave central con bóveda de crucería tardorrománica o protogótica. Otro de los elementos más característicos es el cimborrio, que pertenece al último cuarto del s. XII. Presenta decoración a base de gallones y escamas. Sin paralelo en la arquitectura medieval, tiene influencias francesa, bizantina, cruzada y musulmana: De las torres previstas, sólo se llegó a levantar la septentrional, a los pies del templo, de porte robusto y ciertamente poco esbelta: Por otra parte también debemos comentar la importancia de la puerta del Obispo (la puerta Sur), ya que es la única puerta original que se conserva. Observamos equilibrio y sobriedad. Tenemos la confluencia de elementos de procedencia clásica, francesa, oriental e hispanomusulmana: Y para terminar, os facilito este fantástico vídeo que nos adentra en la propia catedral:

Orígenes San Pedro del Vaticano I

2010-07-07T03:05:00.000-07:00

La primera basílica de San Pedro del Vaticano, se construyó hacia el año 320 por el emperador Constantino. Fue la mayor iglesia de etapa constantiniana en Occidente. Estaba situada donde se suponía que estaban enterrados los restos del apóstol y se convirtió en el paradigma de basílica primitiva hasta muy entrada la Edad Media. Tomaron como referencia la basilica romana (destinadas a impartir justicia), por sus amplias dimensiones, y porque nunca fue recinto de culto de otras religiones. Su estructura alargada, rectangular y dividida en naves, les hacía muy adecuadas para las necesidades del culto cristiano. El exterior de la basilica paleocristiana es muy sobrio, con muros lisos y sin ornamentos. Tenía un atrio con pórtico. Por otra parte sus cubiertas eran de madera y el tejado caía a 2 aguas. La gran diferencia con respecto a las basilicas romanas es que aqui han eliminado las bóvedas. En el interior la nave central era el doble de ancha que las laterales y más alta. Precisamente esta mayor altura, permitía situar en la parte alta una hilera de ventanas que permitía la iluminación interior. La cubierta era de madera. Por otra parte cabe destacar una el transepto, o nave que cruza transversalmente las naves longitudinales, y que dará lugar a la aparición de la característica planta de cruz latina. Ahora os dejo un vídeo que resume todo lo escrito anteriormente: Derribada a fines del siglo XV, por su estado ruinoso, en el solar que ocupaba se construyó a partir del siglo XVI (se inició con Bramante) la gigantesca basílica que actualmente constituye la mayor expresión del poder de la Iglesia romana. Pero de esto hablaremos en la próxima entrada.

Las termas en la antigua roma

2010-06-27T03:29:00.000-07:00

La aportación fundamental de la arquitectura romana son las termas (verdadera construcción romana), aunque también tenemos la utilización del arco de medio punto, que es otra característica fundamental de su arquitectura. Las termas romanas son recintos públicos destinados a baños para la civilización romana. En las antiguas villas romanas los baños se llamaban balnea o balneum y si eran públicos thermae o therma. Las termas eran un sitio para bañarse, pero también para pasar el tiempo (lugar para pasear, hablar con los amigos o realizar ejercicios físicos). Todos podían acceder a las termas pagando un módico precio. Se cuidaba el ambiente con una delicada decoración en donde no se escatimaban medios, llenando las estancias de maravillosos frescos, mosaicos y estatuas. Tenemos distintas estancias dentro de las termas romanas, como pueden ser: *Apodyterium: vestuario-guardaropa // *Palestra: patio central al que se abrían todas la demás estancias y se podían prácticar ejercicios físicos // *Frigidarium: sala de agua fria // *Tepidarium: sala de agua templada // *Destrictarium: lugar donde se limpia la piel (alrededor de un estanque) // *Laconicum: lugar donde se realizaban baños de vapor // *Caldarium: sala de agua caliente // *Unctorium: sala accesa que se encuentra al lado de los baños // *Natatio: piscina de agua fria, puede estar dentro del frigidarium o en el exterior // Hacía falta mucho combustible y mucha agua para desarrollar este sistema de baños. Los recursos hidráulicos eran traídos mediante la red de acueductos que toda ciudad romana tenía. El interior de las estancias y las piscinas de agua caliente se realizaba mediante el sistema de hypocaustum. El sistema está basado en la distribución mediante túneles y tubos de agua caliente y vapor que se extendía por debajo de los suelos de las estancias y piscinas y era alimentado por una serie de hornos que se hallaban en los sótanos. Y ahora un vídeo para aclarar mejor todos estos conceptos:

Sobre las vanguardias históricas

2010-06-06T03:58:00.000-07:00

Se conoce como vanguardias históricas a los estilos artísticos que aparecieron en la primera mitad del siglo XX Durante la época de las grandes vanguardias históricas se produce en el arte una auténtica revolución de las artes plásticas. Veamos algunas de sus características comunes: *Rebeldía frente a lo existente. Alternativas rebeldes // *Culto a lo nuevo y rechazo al pasado // *El arte puede transformar la sociedad // *Profunda reflexión sobre el lenguaje artístico // *Ideario difundido a través de manifiestos // *No existen nexos de unión entre las vanguardias, pero no son compartimentos estancos // *Estética de la provocación // *Rechazo absoluto a la pintuea burguesa anterior // *Los artistas son conscientes de estar creando un arte de los nuevos tiempos (posturas innovadoras) // ...................................................................................................................................... En las distintas vanguardias tenemos una permanente información entre ellas, de hecho, muchas de ellas se inspiran las unas de las otras. Aunque las vanguardias surgen en diferentes paises, existe un interés por conocer una de las otras. Muchas veces, el fin de una vanguardia supone el principio de otra. Es importante decir también, que en la mayoría de los casos nos encontramos con coincidencias ideológicas. Surgen como grupos insignificantes y al margen del mercado, pero en poco tiempo se convierten en paradigma estético de la nueva sociedad. ..................................................................................................................................... Podemos destacar 4 vanguardias: *VANGUARDIAS EXPRESIVAS: Fauvismo, Expresionismo // *VANGUARDIAS ANALÍTICAS: Cubismo, Futurismo // *VANGUARDIAS CONSTRUCTIVAS: Constructivismo, Neoplasticismo, Bauhaus // *VANDUARDIAS PSIQUICAS: Dadaismo, Surrealismo // Hagamos una pequeña explicación de cada vanguardia: -VANGUARDIAS EXPRESIVAS- Derivadas de artistas postimpresionistas. Tenemos una transmisión de emociones. Por otra parte nos encontramos con una ruptura en la representación tradicional y en la narración. También tenemos una deformación de los objetos, con un predominio del color libre. La representación está en función de los estados de ánimo del propio autor. -VANGUARDIAS ANALÍTICAS- En este tipo de vanguardias nos encontramos con un análisis de las formas. Tenemos una modificación de los códigos de representación establecidos, además de la creación de otros nuevos. Destaca la intensa investigación analítica de las formas. -VANGUARDIAS CONSTRUCTIVAS- Desestiman la figuración, centrándose en una nueva construcción útil (que el arte sea útil). Tenemos la utilización de nuevos materiales, y un trabajo que debe ser útil para la sociedad. También se pretendía hacerparticipativa a la sociedad del arte. -VANGUARDIAS PSIQUICAS- En estas vanguardias nos encontramos con una alteración semántica y formas de la creación (cambian el significado de las formas). Tenemos actitudes contrarias a las convenciones sociales. Se consideran las vanguardias antecedentes del arte conceptual.

Sobre la Victoria de Samotracia

2010-05-09T02:55:00.000-07:00

-VICTORIA DE SAMOTRACIA-

-ca 190 a.C

-Material: mármol de Paros // -Dimensiones: 328 cm (con las alas incluídas) // -Procedencia: Samotracia (una isla del mar Egeo)

..................................................................................................................................... Se trata de una escultura que representa una Niké o Victoria, que se acaba de apoyar sobre la proa de un barco, y ésto está relacionado con su función (que comentaré más tarde): Vemos como sus ropas se arremolinan por el viento marino.Viste un fino jitón atado con un nudo bajo el pecho, que presiona la tela. Los infinitos pliegues del ligero vestido fluyen alrededor del cuerpo, se pegan al pecho y vientre, insinúan y realzan las bellas formas femeninas. La composición es abierta, observamos en la escultura las diagonales y curvas, que producen desequilibrio. De frente, la figura se retuerce y se abre en las dos largas curvas de las alas. Vista lateralmente, se observa una gran línea diagonal que enlazaría desde la pierna hasta la perdida cabeza. El dinamismo de la composición se completa con las múltiples y delicadas curvas del vestido. El movimiento impetuoso de la niké se expresa en los paños que se agitan y vuelan y en las alas desplegadas hacia los lados y atrás. El escultor ha querido captar el instante en que se posa en la proa de un barco: El modelado de las formas está conseguido con gran expresividad. El artista ha sabido expresar a la perfección los efectos del azote del viento sobre el cuerpo de la diosa, con un estudio anatómico de gran habilidad técnica. El ligero ropaje, de "paños mojados" adheridos al cuerpo, vela las formas y las carga de sensualidad y misterio, volviendo más hermoso el cuerpo de la Niké. El juego de la luz se acentúa en los plegados, creando violentos contrastes de luz y sombra. En cuanto a su función: destinada a conmemorar la victoria naval de los rodenses sobre la flota de Antíoco III de Siria. Se dice que su escultor fue Pithócritos, escultor poco conocido de la Escuela de Rodas. No podemos afirmar su autoría, pero si sabemos que esta escultura fue realizada en la escuela de Rodas. En estas escuelas se realizaban obras en torno a una ciudad. P.D: post realizado con la ayuda de ESTA página web!!

Sobre la Scala Regia

2010-05-01T03:59:00.000-07:00

La Scala Regia fue un encargo de Alejandro VII realizado entre 1663 y 1666 y tenía como fin comunicar el atrio de San Pedro con los palacios Vaticanos: Fue una de las últimas intervenciones de Bernini en su gran empresa vaticana. Es una escalera que se comunica con los recintos de la basílica del Vaticano. Es una obra tanto funcional como ceremonial. Por otra parte, podemos decir que lleva un caracter fuertemente teatral. El espacio que tenía Bernini para realizar dicha escalera estaba condicionado por 2 muros que no podía destruir. Además había que tener en cuenta la pendiente que presenta el espacio. Para corregir esas proporciones, Bernini introduce unas columnas cuyo ritmo varia (el diámetro de las columnas va disminuyendo desde la parte alta a la parte baja). A todo esto se le añade una bóveda acasetonada que también va reduciendo sus dimensiones. Juega con la perspectiva y la luz: Esta obra debe relacionarse con una obra anterior proyectada por Borromini, y que se encuentra en el Palacio Spada (en Roma): De alguna manera esta obra refleja la competencia que había entre ambos (Bernini y Borromini). El problema espacial es resuelto de una manera similar a la utilizada por Borromini, pero los detalles clásicos diferencian a Bernini mucho de este autor.

Movimiento Dada

2010-04-18T03:22:00.000-07:00

Dada (1916-1923) es un nombre sin significado. Surge en 1916 en el café Voltaire (en Zurich) con ese nombre, ya que los artistas que integraban el movimiento no creían en nada, ni siquiera en el arte. Su impulsor fue Tristan Tzara. Buscaban todo aquello que no se encontraba en la sociedad adicional. Rompieron con la estética de TODO. Algunos de los artistas de este movimiento: Tristan Tzara; Man Ray; Max Ernst; Marcel Duchamp. Cada artista Dada "va a su rollo", por tanto surjen ideas muy distintas. ............................................................................................................................... Algunas de sus características: -Dada niega todo lo racional, así como el uso lógico del lenguaje rompiendo la sintaxis convencional a través del juego de palabras o del azar. -También intervienen y alteran las imágenes o elementos de reconocimiento social o cultural manipulados. -Elevan a categoría artística objetos de uso cotidiano. -Los nuevos objetos (Ready Made) suponen el desplazamiento y la desestabilización entre el lenguaje y la visión, entre la palabra y el objeto. A este nuevo objeto se le da un título que desestabiliza su significado y utilidad primitiva-original. -Buscan la provocación a través del erotismo, lo "politicamente incorrecto", con el fin de desorientar al espectador. Algunas de las técnicas que llevaron a cabo los dadaístas: Collage; Ensamblaje (muchas veces surje por medio del azar); Azar; Frotagge; Grattage; Ready Made (la auténtica revolución del Ready Made es la actitud artística de primar la idea sobre la representación). Dentro de los Ready Made pueden darse 3 casos: 1-Objetos que el artista no manipula, y que simplemente les añade un título: ..................................................................BOTELLERO...................................................... 2-Ready Made para mirar. Alteración de imágenes: ..................................................................L.H.O.O.Q...................................................... 3-Objetos ensamblados (es decir, los que se tienen que manipular): ....................................RUEDA DE BICICLETA....................................

Constructivismo Ruso

2010-04-11T06:47:00.000-07:00

En octubre de 1917 se produce la caída de los zares por parte de la sociedad proletaria (revolución rusa). El arte se intregra en la construcción de una nueva orden social. Tenemos nuevas formas con el espíritu revolucionario. La orientación del arte al pueblo y para el pueblo. Nos vamos a encontrar con artistas que realicen carteles propagandísticos o publicitarios (surje un nuevo concepto de diseño gráfico). Sin duda serán el nuevo icono para la sociedad. El constructivismo ruso será la base de investigación en el arte europeo. Tenemos una unión con el arte y el proceso de producción. Pues en estos momentos el arte debía llevar consigo un caracter utilitario. Destaca la idea del artista como un técnico. El término de constructivismo ruso lo acuñó Naum Gabo. Los principales artistas fueron: Vladimir Tatlin // El Lissitzki // Rodchenko // Anton Pevsner. Ahora veamos algunos ejemplos, para entender mejor este movimiento artístico.............................................................................................. -CONTRARRELIEVE- VLADIMIR TATLIN Esta es una escultura realizada por Vladimir Tatlin. Nos encontramos con un ensamblaje (donde tenemos una serie de elementos unidos entre si). Como se observa en la fotografía, esta escultura depende de la pared, ya que es su soporte. Si en este caso no tuviéramos la arquitectura, no se podría concebir la escultura. Vemos que se trata de una escultura tensionada por una serie de cuerdas que también forman parte de la escultura. Otro dato importante es la utilización de nuevos materiales: el hierro, el metal. Estos materiales de metal que se encuentran en el centro de la composición subrayan las cuerdas. También cabe destacar que existe un proceso de investigación industrial en las obras del momento. Pues tenemos un serie de ensamblajes realizados con materiales industriales. /// En resúmen: los artistas buscaron producir cosas útiles, en las áreas de diseño industrial, comunicación visual y artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad comunista. Y aunque el movimiento durase muy poco tiempo, produjo un gran impacto. Algunas de las características del movimiento:

- Los representantes no ven sus obras como arte. La técnica y el proceso para elaborar el producto son de gran importancia.

- Predomina lo tridimensional, la escultura, la arquitectura y el diseño industrial.

- Se asocia a la producción industrial y sus composiciones son construidas matemáticamente.

- Se dedicaron al diseño de carteles, tipografías, fotografía, arquitectura interior, propaganda, ilustraciones.......................................................................................................... P.D: información complementada a través de: pinchar AQUI

Selección de Vídeos

2010-03-27T02:29:00.000-07:00

Teneis que perdonar todo el tiempo que llevo sin actualizar el blog, pero además de irse la inspiración tampoco tengo mucho tiempo. Hoy os traigo un serie de vídeos sobre diversos pintores, espero que os gusten................................................................................................... -SOBRE VLADIMIR KUSH- -SOBRE JOAQUIN SOROLLA- -SOBRE VICTOR VASARELY- -SOBRE PAUL CÉZANNE-

El palacio de Luxemburgo

2010-03-16T03:26:00.000-07:00

Hoy quiero comentar este palacio, para facilitar la práctica de arte moderna a mis compañer@s de clase. ...................................................................................................................................................... Para empezar, hay que comentar que actualmente este palacio alberga el senado francés. Es un edificio que fue construído para María de Médicis, entre los años 1615-1624 por el arquitecto Salomón de Brosse. Al parecer María se queda viúda un dia después de ser coronada regenta. Para alejarse de las intrigas de la corte que residía por entonces donde encontramos actualmente el Museo del Louvre, decide buscarse otro alojamiento, más digno para su cargo de regente, y que además le recordase al palacio florentino de su niñez. La reina logró comprar en 1612 la residencia de un duque de la zona, llamado François de Luxembourg. A pesar de sus intentos por llamarlo "Palacio de Médicis", el palacio siempre fue conocido por el nombre de su antiguo dueño. Las obras empiezan en abril de 1615 y en 1624 con el arquitecto Salomon de Brosse, que tenía que tomar como referencia el Palacio Pitti, en Florencia (la tierra natal de María de Médicis). El palacio Pitti era la antigua residencia principal de la dinastía de los Médici (ver siguiente foto). La entrada se sitúa al norte y la fachada principal está orientada al sur y da sobre el Jardín del Luxemburgo. Para la realización de los jardines también tuvo que comprar y demoler otras residencias, y sólo después de la muerte de María de Médicis, hacia fines del siglo XVIII, los jardines alcanzaron un tamaño considerable. El Jardín del Luxemburgo es el más céntrico y popular parque de París. Es de estilo neoclásico , con calles dispuestas simétricamente alrededor del estanque octogonal central. Sabemos que el palacio fue ampliado varias veces, pero sin modificar mucho su aspecto exterior. Sin embargo, para dar cabida al Senado en 1969 se necesitó construir oficinas individuales para cada senador y varias salas de reunión y locales administrativos además de adaptar al gusto del siglo XX a las comodidades básicas. Por otra parte, tanto el palacio como los jardines sufrieron las vicisitudes de sus propietarios, y quedaron casi abandonados en varias ocasiones. El palacio fue transformado en prisión cuando estalló la Revolución Francesa. Durante la Segunda Guerra Mundial, los alemanes lo utilizaron como cuartel y construyeron un búnker en el jardín. Del jardín inicial sólo queda un monumento: la fuente de María Médicis (ver siguiente foto).

Sobre el Fauvismo

2010-03-08T02:15:00.000-08:00

El movimiento conocido como FAUVISMO (1904-1907) se formó mediante un grupo de artistas formados en su mayoría por Gustave Moreau. Estos artistas continuan la senda marcada por los postimpresionistas (las principales características provienen del neoimpresionismo y de Paul Gauguin). A estos artistas les atraían los colores fuertes, llamativos (ya que el fauvismo es COLOR). Se dieron a conocer en el Salón de Otoño de Paris en el 1905 con el nombre de fauvistas. Algunas características de este movimiento son: *El color se libera del dibujo (ya que el dibujo queda como aspecto secundario) *Investigan en la teoría del color (colores primarios, secundarios y complementarios). *Prescinden de la gradación tonal y el claroscuro. *Síntesis de las formas. Nos encontramos con una pintura gestual, espontánea. *Tenemos una distorsión de la realidad. *Interés por el decorativismo (es un movimiento esteticista). *NO rompen con la armonía y el orden. En definitiva, este movimiento es como un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Los principales protagonistas fueron: Andre Derain, Henry Matisse, Albert Marquet y Henry Manguin. A continuación vamos a ver y comentar algunos ejemplos de obras fauvistas: -LUJO, CALMA Y VOLUPTUOSIDAD- HENRY MATISSE Esta obra es un buen ejemplo para observar todavía la presencia de la técnica puntillista, característica del movimiento neoimpresionista. Ya que esta obra pertenece a los primeros momentos de este nuevo movimiento. Pero sin duda lo que más nos llama la atención es la presencia del color. Nos encontramos con una composición donde presominan las líneas horizontales y verticales (en algunos casos se cruzan). Es una obra que está perfectamente estructurada (en este sentido siguen siendo todavía muy clásicos). Por otra parte no nos podemos olvidar que se trata de una obra bastante decorativa (recordar las características comentadas anteriormente). -LA RAYA VERDE- HENRY MATISSE En esta ocasión nos encontramos con un retrato (en especial el retrato de su esposa). A primera vista, nos llama la atención la utilización de una pincelada pastosa, al contrario que la obra que comentábamos antes (observamos una evolución en cuanto a la pintura). No importan los detalles anatómicos de la persona representada, sino representar a esa persona mediante el COLOR. Otro de los grandes factores importantes es la LUZ. En esta obra nos encontramos una separación entre la parte que está iluminada y la que está en sombra, y esto aparece marcado por la raya verde que tenemos en el rostro de la mujer. Por tanto vemos una clara diferenciación de luces.

Mausoleo de Mª Cristina de Sajonia

2010-03-01T01:52:00.000-08:00

Este mausoleo fue realizado por el gran escultor neoclásico, Antonio Canova alrrededor de 1798-1805. Para empezar debemos comentar que el arte neoclásico buscaba la representación de las formas de la antigüedad clásica. Donde la proporción y simetría son las grandes características del momento. Tanto en los sepulcros como mausoleos el drama de la muerte ya no aparece reflejada (como si pasaba en el mundo del barroco). Se busca la tranquilidad y armonía del conjunto. Suelen ser obras tremendamente severas, sobre todo las de Antonio Canova (que se caracteriza por la inexpresividad de sus figuras). ............................................................................................................................... El mausoleo de Mª Cristina de Sajonia se encuentra en Viena, y llama la atención la forma que adopta, pues es piramidal (recordando esa evocación a una arquitectura dedicada a la muerte). Vemos en las figuras de la izquierda a un anciano que se apoya en una jóven que simboliza la virtud. En el lado derecho nos encontramos con el genio alado, aunque también se le considera el ángel de la muerte. Es importante decir que en este mausoleo tenemos la representación de las 3 edades, donde la muerte no hace distinciones. Tenemos unas figuras que van en paso procesional. Por otro lado, y en la parte superior del mausoleo nos encontramos con un medallón que hace referencia a la difunta Mª Cristina de Sajonia (aparece representada de perfíl, posición típica de las medallas o monedas de la antigüedad clásica). Este medallón lo sujeta una figura que simboliza una virtud relacionada con la felicidad. Es cierto que la parte superior del conjunto se contrapone con el mensaje que nos encontramos en la parte inferior. Tenemos ante todo una búsqueda del equilibrio.

Monumentos funerarios en el renacimiento

2010-02-20T06:44:00.000-08:00

Los monumentos funerarios en época renacentista se caracterizan por la idea de triunfo y la exaltación de la virtud del individuo, que confluyen con la idea de la inmortalidad. Esta exaltación de las virtudes y cualidades del fallecido alcanzó sus máximas consecuencias en las tumbas papales.

Con el paso del tiempo, vemos como en estos sepulcros se van disminuyendo las figuras de caracter religioso, aunque seguimos viendo algunos símbolos. Tenemos la autosuficiencia del individuo para salvarse, y esto será lo más representativo.

Podemos comentar algunos de los sepulcros, como pueden ser:

-SEPULCRO DEL CARDENAL DE PORTUGAL- ANTONIO ROSELLINO

Este sepulcro se encuentra en el interior de la iglesia de San Miniato al Monte (florencia). Podemos situar a este sepulcro acerca del año 1461.

Observamos que el sepulcro se encuentra como en una arquitectura independiente, formada por casetones y falsos cortinajes (estos falsos cortinajes constituyen el precedente de lo que será el telón en período barroco).

Se buscaba una permanencia histórica a través de esta escultura funeraria. Es importante decir que NUNCA se pierde el sentido cristiano en el mundo renacentista, pero se incentiva la figura del ser humano.

En este sepulcro todavía tenemos la presencia de una serie de figuras religiosas, como la Virgen con el niño encontrados en un medallón encima del sepulcro. Unos ángeles parecen sujetar este medallón.

Pero en ejemplos posteriores vemos como estas figuras de caracter religioso disminuyen.

-SEPULCRO DE PIERO Y GIOVANNI DE MÉDICI- ANDREA DEL VERROCHIO

Este sepulcro fue realizado por Andrea del Verrochio, que buscó sugerir la acción más que representar la acción en si.

Este sepulcro se encuentra en la iglesia de San Lorenzo. Vemos como se han eliminado las figuras religiosas, pero el contenido religioso pasa a la decoración. Tenemos una serie de hojas de vid que son unos elementos que aluden a la resurrección después de la muerte (se encuentran en el marco que rodea al sepulcro).

Por otra parte, el enrejado que aparece detrás del sepulcro hace alusión a las cadenas del cuerpo, es decir, del sometimiento del hombre a su propio pecado. Para lograr la inmortalidad se tenía que romper dicha reja.

P.D: teneis que perdonar mi ausencia en estos dias, pero ya se sabe que en período de exámenes...!!

Palacio de Carlos V en Granada

2010-02-08T02:22:00.000-08:00

Retomamos la materia de la asignatura de arte español II, para hablar del conocído palacio de Carlos V en Granada. ................................................................................................................................................ Para empezar, hay que decir que es a partir del 1520 cuando nos encontramos con arquitectura renacentista propiamente dicha (ya que antes se mezclaba en los edificios el estilo gótico con las nuevas formas italianas, y a esta mezcla se le conoce como plateresco). Es a partir del 1526 cuando Carlos V se empezó a interesar por la arquitectura clásica. Se casó con una portuguesa de nombre Isabel. Ambos se fueron de luna de miel a Granada, que no la conocían. Al rey le gustó tanto que decidió convertir la ciudad en el ombligo de su imperio. Dedice construir un palacio en la zona para él, su esposa y la corte. El arquitecto de este palacio fue Pedro Machuca, quien había estudiado en italia, por tanto conocía muy bien estas formas arquitectónicas (como observamos en el palacio). Es un palacio italiano pero construído en España. A parte de satisfacer las necesidades de su esposa y corte, el palacio se construyó con la idea de mejorar al anterior. El proyecto definitivo de este palacio data del 1542 aproximadamente. Sabemos que este palacio está conectado con el antiguo palacio, además de estar vinculado con las estancias privadas del emperador. Por otra parte, se construyó una iglesia al lado del conjunto (Santa María de la Alhambra). Es importante mencionar que en estos momentos, el resto de españa estaba construyendo sus edificios al estilo plateresco (mezcla del estilo gótico con las nuevas formas renacentistas). Ahora vamos a comentar el palacio: Decir que tiene 2 fachadas principales, ambas con almohadillado (Bramante ya había inventado ésto para los palacios romanos). Las fachadas norte y setentrional no nos interesan porque son simples puertas de servicio. -FACHADA OCCIDENTAL- Esta es la fachada principal. Destacar el paramento almohadillado de su fachada. Vemos que está dividida en 2 pisos: -Piso inferior: formado por columnas dóricas. -Piso superior: formado por columnas jónicas. Vemos 3 ventanas, que cuentan historias de Hércules (Carlos V se consideraba descendiente de Hércules...) Victorias terrestres son algunas escenas que se exaltan en la arquitectura (en los frontones de la portada). Existe una gran monumentalidad. Todo esto realiado con mármol. -FACHADA MERIDIONAL- Esta es la otra fachada que vamos a comentar, la meridional. Es más pequeña que la comentada anteriormente, y también está realizada de mármol. Observamos de nuevo el paramento almohadillado de la fachada. Así como la división en 2 pisos: -Piso inferior: formado por columnas jónicas. -Piso superior: formado por columnas corintias. En este piso nos encontramos con un modelo diferente de ventana, denominada serliana. En esta fachada tenemos historias de la fama y la victoria, así como alegorías. -PATIO INTERIOR- Este es el patio del palacio. Realizado con piedra conglomerada, como se puede apreciar en las columnas. Al mirar esta arquitectura sabemos que quien la construyó (Pedro Machuca) tenía conocimientos sobre las formas de la arquitectura romana. Tenemos un dominio del lenguaje clásico por parte del autor. Por último, comentar que NO hay copias de este palacio, NO hay herencia.

CRITICA hacia Damien Hirst

2010-02-05T03:06:00.000-08:00

Hagamos un inciso para "poner verde" a este cretino que se piensa que lo que hace puede llamarse arte... ................................................................................................................................. Damien Hirst regresa a Nueva York con animales en formol: Damien Hirst vuelve a exhibir animales muertos sumergidos en formol tras el fracaso cosechado en Londres con su última exposición a base de pinturas al óleo. La crítica británica calificó sus cuadros de “endebles”, “monocordes” y “espantosos”, así que el artista ha decidido reforzar el interés de su nueva exposición en Nueva York con más cadáveres embalsamados. La Galería Gagosian de Manhattan ha titulado el acontecimiento como ‘El fin de una era’, aunque obviamente no se refiere a un cambio sustancial en la trayectoria de Hirst, sino al título de una de las piezas que se exhiben. Se trata de la cabeza de un toro cuyos cuernos recubiertos de oro sostienen el disco solar, elaborado igualmente con oro macizo, el metal con que se construyó también la vitrina que contiene el cadáver. ¿DE VERDAD CREEIS QUE ESTO PUEDE LLAMARSE ARTE? -Oveja dividida a la mitad- -El fin de una era- Podré tolerar que a alguien le parezca lo más original y maravilloso del mundo, pero NUNCA podré compartir este gusto por los animales diseccionados y expuestos en vitrinas con formol. Va en contra de mis principios. Y YO COMO PROYECTO DE HISTORIADORA DEL ARTE, TE DIGO DAMIEN HIRST, QUE LO QUE HACES NO PUEDE LLAMARSE ARTE (aunque hoy en dia valga todo...) (¬_¬)

Origen del renacimiento en España

2010-02-03T06:46:00.000-08:00

Las siguientes entradas van a estar relacionadas con la asignatura de ARTE ESPAÑOL II (futuro examen el dia 12 de febrero) .................................................................................................................... Vamos a empezar por el principio, hablando del origen del renacimiento en España. Hay que decir que este origen se produce aproximadamente en el 1488. Al principio nos encontraremos con un estilo que mezcla las formas tradicionales de la arquitectura gótica con las nuevas formas renacentistas (esta mezcla de estilos se llama plateresco). Hasta el año 1520 no nos encontraremos con edificios renacentistas propiamente dichos. Por otra parte, cabe destacar la importancia de la familia Mendoza, que patrocinó ciertas formas italianas. No hubo experimentación en cuanto a formas, pues ésto ya se había llevado a cabo en Italia. Este desarrollo de formas italianas viene por varias influencias: *Llegada de artistas italianos a españa. *Hubo muchos artistas españoles que se fueron a italia para estudiar. *Importación de obras italianas a españa. Dentro de este apartado, podemos señalar una serie de edificios que patrocinaron los reyes católicos: La iglesia de San Juan de los Reyes (Toledo), así como la creación de una red de hospitales (aunque hubiera muchos, eran pequeños, y por lo tanto, eran insuficientes). La planta del hospital de los reyes católicos de Santiago de Compostela es italiana, pero el alzado del edificio es gótico. Nos llegaron los planos de una nueva planta: los del hospital de Milán por Filarete. Era un espacio cuadrangular, con pequeños patios en el interior. Este modelo de Filarete, fue el que se utilizó por ejemplo en el hospital de los reyes católicos de Santiago de Compostela: Esta imagen es una vista aérea del hospital de los reyes católicos de Santiago de Compostela. Es un edificio cuadrangular, con 4 patios interiores. Sigue el mismo modelo que el hospital de Milán. CONTINUAREMOS CON EL PALACIO DE CARLOS V (Granada)

Gótico clásico: Bourges

2010-01-30T01:25:00.000-08:00

Hoy quería comentar esta catedral, característica del gótico clásico. Primero hay que decir que esta fase del gótico se caracteriza por la utilización del arbotante: no sólo lleva una función técnica, ya que también es un gran elemento estético (y se darán cuenta de ello, por ejemplo en Chartres). Los arbotantes son los elementos arquitectónicos que están situados a la misma altura que el claristorio, y ayudan con el contrapeso de las bóvedas, dirigiendo el peso hacia los contrafuertes. Se dice que el uso de arbotantes ya se pudo inventar en la Notre-Dame de París (catedral característica del primer gótico, ca 1163). Y ésto lo podemos practicamente afirmar por una serie de dibujos de Viollet Le Duc sobre la misma catedral. Los arbotantes eran aquel muro botarell que se encontraba escondido en los muros, debajo del tejado. Era el encargado de soportar el peso de las bóvedas. Lo único que han hecho ahora en el gótico clásico es quitarle el tejado a ese muro botarell (esto es una gran evolución arquitectónica) y dejarlo al aire libre. ...................................................................................................................................... Hablando ya de Bourges (ca 1190-1215), hay que decir que es una catedral muy rara, pero eso no significa que no triunfase en España. Se copió sobre todo en Burgos y en Toledo. No sabemos quien pudo ser el arquitecto de la catedral de Bourges. Vemos en su planta, que ha recuperado el doble deambulatorio, así como la macro-cabecera que presenta capillas radiales. Por otra parte presenta unas cubiertas de bóvedas sixpartitas (ésto era característica del primero gótico, pero como ya mencioné antes, esta catedral era muy rara para la época). Tenemos una planta basilical con colaterales dobles. Va a parecer una planta de salón (aquellas iglesias o catedrales que tienen una sola nave), aunque no lo sea. Es cierto que viendo el exterior de esta catedral, nadie se da cuenta de la gran evolución que se nos presenta en el interior. Vemos como ahora ya no son necesarias las tribunas (gracias a los arbotantes que ayudan con los contrapesos de la bóveda en el exterior). El uso de los arbotantes también les permitía crear unas catedrales más altas y mas audaces. En el interior de Bourges no tenemos nada que nos interrumpa la visión. Por otra parte, vemos que su interior se compone de 3 cuerpos de altura: arcada, triforio y claristorio. En realidad si vemos la siguiente imágen parece que tenemos 5 cuerpos de altura, pero los primeros 3 cuerpos se corresponden con los de la nave lateral. El arquitecto quiso jugar con una ambivalencia óptica (efecto óptico): Los 3 círculos rojos subrayan los cuerpos de alzado de la nave laterial, mientras que los círculos amarillos subrayan los cuerpos de alzado de la nave central. Hay que destacar, por otra parte, el triforio (de tradición normanda). Parece algo arcaizante, pero sin embargo logra un alzado en altura completamente bello. Tenemos que decir, que NO usa fustes enjarjados (fustes a contralecho), porque lo que tenemos son unas pilastras y fustes delgadísimos. Para terminar, es importante comentar que se pudo pensar en la yuxtaposición de 2 iglesias en 1 (esta yuxtaposición es lo que caracteriza al arte gótico). Es como que una iglesia más alta se coloca encima de otra más pequeña. Parece que nos encontramos con una iglesia que parece suspendida en el aire: JERUSALEM CELESTE (lugar que no está ni en el cielo ni en la tierra). A continuación, una pequeña presentación para que podais ver las imágenes de la catedral comentada:

P.D: se acerca el primer examen de este 2º curso de Historia del Arte. Mucha suerte a tod@s mis compañer@s!!

Movimiento Impresionista

2010-01-23T07:14:00.000-08:00

El impresionismo (1874-1882 aproximadamente) es un movimiento artístico que se va sucediendo en el tiempo. No hubo una escuela impresionista, ya que este movimiento se formó a través de una asociación heterogénea de artistas que compartían una serie de gustos y repulsas comunes. Se puede decir que este movimiento surgió a partir de unas reuniones celebradas en el 1867 en el café Guerbois. En estas reuniones participaron: Monet, Renoir, Sisley y Bazille. Hay algunos autores como Seurat o Signac que se inician en este movimiento impresionista, pero terminan explorando nuevos horizontes. Los inicios del impresionismo no están muy claros, puede variar si mencionamos: -1863: año en el que se crea "el salón de los rechazados" (Manet es el gran exponente) -1867: fecha de inicio de las tertulias en el café Guerbois. Pero lo que está claro es que el término "impresionismo" surge con un sentido irónico y burlesco. De echo estuvo muy infravalorado por el arte y cultura de su tiempo. Una de las grandes novedades de dicho movimiento: el pintor sale de su estudio para pintar al aire libre. Por otra parte, y entrando en las características formales del impresionismo: *Rechazo de la pintura oscura y bituminosa, para usar sólo la gama del arco iris. Ejemplo de ésto tenemos el cuadro llamado "La urraca" de Claude Monet (Ni siquiera en las sombras tenemos un color negro). *Los colores se aplican directamente sobre el lienzo (ésto acaba derivando en los impastos, que son grandes "pegotes" de pintura aplicados directamente sobre el lienzo. Tenemos a Van Gogh como gran representante de los impastos). Como ejemplo de esta característica tenemos la obra llamada "Campo de amapolas" de Claude Monet (destacar las pequeñas manchas rojas que forman las amapolas). Es un movimiento artístico que valora la importancia de la LUZ y el COLOR. Ahora los artistas se preocupan por pintar los distintos momentos del dia en sus representaciones (tratan de recoger la "impresión" del momento). A pesar del rechazo por esta pintura en la época, hay que decir que en la actualidad estas pinturas impresionistas se cuentan como las obras de arte más apreciadas y son el orgullo de toda colección pública o privada. Por último quiero que veais este vídeo (fantástico) que resume muy bien el movimiento impresionista: P.D: sin duda una pintura espectacular...

Ambón de Klosterneuburg

2010-01-21T01:18:00.000-08:00

Nos trasladamos aproximadamente al año 1200, para comentar esta maravillosa obra de Nicolás de Verdún. Se trata del ambón de Klosterneuburg: NO es un retablo, pues se trata de un ambón: es como una especie de púlpito donde se predicaba. Se encuentra entre el predicador y los fieles. Vemos como se encuentra dividido en 3 registros: en el superior tenemos escenas de la ante legem, es decir, antes de que Dios se pusiera en contacto directo con el hombre; en el registro central tenemos escenas de la sub gratia (en este registro es donde encontramos el único discurso narrativo); en el registro inferior aparecen escenas de la sub lege, es decir, después de que el hombre recibiera las leyes. Cabe mencionar las prefiguraciones tipológicas, pues cada pasaje evangélico del antiguo testamento hace referencia a un pasaje del nuevo testamento. En este ambón, no predomina el discurso narrativo, pues no están contanto ninguna historia (excepto el registro central, como comentaba antes). Se trata de recordar como se construye un sermón. Por otra parte, y hablando de los elementos formales, es importante mencionar que este ambón está impregnado de los modelos bizantinos: -destacar la gran expresividad que nos encontramos en la mayoria de las escenas. -búsqueda de una cierta realidad en cuanto a la anatomía de los personajes. Nicolás de Verdún, cambia la técnica del esmalte, pues deja el cobre esmaltado para las figuras y el color para el fondo (al revés de como se hacía anteriormente). Las figuras son como "recortables", pues el fondo no interesa. Tenemos una búsqueda estética por parte del artista. En relación con esto, subrayar las grandes manchas blancas que producían una sensación de profundidad. Aparece también una gran expresividad y dramatismo en las posiciones de los cuerpos. Como ejemplo de lo comentado, destacar unas escenas del ambón:-SACRIFICIO DE ISAAC- -MOISÉS SEPARANDO LAS AGUAS DEL MAR ROJO-

San Pietro in Montorio

2010-01-13T01:13:00.000-08:00

Antes que nada, me gustaría comentar brevemente la formación del arquitecto: Donato Bramante. Fue un arquitecto del alto renacimiento: cinquecento. Tenemos poca información sobre su formación inicial, pero sabemos que se formó en Urbino (Fray Carnevale pudo ser su maestro). Pero trabajó en Florencia (en el taller de Filippo Lippi) antes de trabajar en Urbino. Allí conoció la obra de Donatello, Brunelleschi y Alberti. Tomó entre otras cosas, ese interés por la perspectiva, que también viene de la mano por la figura de Piero della Francesca. Por otra parte, Bramante también se formó como escenógrafo y pintor (ésta formación como pintor también influyó en su arquitectura). En el año 1480 se instala en Milán y entró al servicio de Ludovico el moro. Bramante entra en contacto con Leonardo da Vinci, y con las respectivas propuestas del plan central del mismo. Y finalmente destacar su estancia en Roma, ya que será recordado por estas obras. Llegó a Roma en un momento donde se produjo una gran efervescencia constructiva. Bramante se convirtió en uno de los mejores traductores de la arquitectura clásica, sobre todo en estos momentos. ............................................................................................................................. -SAN PIETRO IN MONTORIO- Este templete (encargo de los Reyes Católicos) nace con un objetivo conmemorativo. Pues es el lugar donde supuestamente San Pedro sufrió el martirio. Es un edificio que resume el ideal arquitectónico de Bramante. Se trata del 1º edificio de plan central rodeado de una columnata con arquitrabe. Nos encontramos con un rigor de las formas clásicas no sólo en planta, sino también en alzado. Bramante utiliza un orden toscano para el tempietto, además de los triglifos y metopas, decoradas con temas alusivos a la dedicación del templo: -metopas: elementos que hacen referencia a la iglesia o el pontificado (como las llaves, la naveta del incienso...) Se pretende honrar a Pedro como primer pontífice de la historia. Es como la conmemoración de un héroe. Friso decorativo como tema "parlante". Introduce un piso intermedio entre la columnata y la cúpula (aparecen nichos semicirculares y rectangulares separados por pilastras). Al templo se accede por 4 puertas. Toda la construcción quedó inaugurada en el 1502.

Un año después, Bramante es nombrado arquitecto del Vaticano y elabora los primeros planos de la nueva basílica de San Pedro. Pero la construcción avanzó, en sus primeros pasos, a ritmo lento y fueron otros autores los que, introduciendo numerosas modificaciones, culminaron la obra que el primer autor cinquecentista había diseñado.

P.D: perdonad el "abandono" que artechachi está teniendo ultimamente, pero el período de exámenes empieza pronto!! P.D2: espero que tras la espera, el nuevo post haya merecido la pena ;)

Sobre la fontana di Trevi

2010-01-07T04:34:00.000-08:00

La fuente de mayores dimensiones y más fama de toda la ciudad de Roma es la Fontana di Trevi. Esta fuente es barroca, construída entre 1732 y 1762 por Nicola Salvi. Tiene 20 metros de anchura y 26 de altura, en forma de un arco del triunfo con 3 aberturas y un impresionante ático. Dicha fuente se encuentra delante del Palazzo Poli. En el nicho central de la fuente, tras las rocas artificiales, nos encontramos con la poderosa figura del rey del mar -neptuno- obra de Pietri Bracci. Ésta figura se encuentra sobre un carro en forma de concha tirado por caballos marinos y rodeado por conchas y tritones. En las hornacinas laterales tenemos las estatuas de la Abundancia (izquierda) y de la Salud (derecha) realizadas por Filippo Valle. Los relieves superiores representan a Agripa aprobando la construcción del Aqua Virgo y la leyenda de su origen. -LEYENDA: según cuenta la leyenda, si se quiere volver a Roma, hay que lanzar una moneda en ella. P.D: un saluto a tutti gli italiani dalla Spagna!!

Escultura funeraria española del s.XV

2010-01-04T02:32:00.000-08:00

Hoy me gustaría hablar sobre un tema que cada día me interesa más: la escultura funeraria. Pero en esta ocasión sólo vamos a comentar la que se desarrolló en españa durante el s.XV ......................................................................................................................... Empecemos con una breve introducción sobre la escultura funeraria del s. XV: -Formas habituales: bajo arcosolio o exentos. -El difunto aparece orando arrodillado o yacente (sobre el sepulcro). -Se recargan de escultura figurativa y a veces vegetal. -Los personajes esculpidos pueden conformar un cortejo fúnebre, vidas o imágenes de santos, personajes y escenas bíblicas. -La decoración puede resultar recargada. Se usa también tracería ciega de formas geométricas, pináculos o arcos conopiales sobre los arcosolios. -Pueden aparecer policromadas. -Los autores suelen ser extranjeros. Influencias: Borgoña, Italiana, Nórdica y Flamenca. -Minuciosas en detalles, destacan en lujo, se distinguen las distintas calidades. -Existe la voluntad de retrato y se intenta mostrar el sentimiento de los representados. Después de esta introducción, vamos a comentar una serie de sepulcros para verificar los datos anteriores: -SEPULCRO DE JUAN II E ISABEL DE PORTUGAL-BURGOS Este sepulcro se encuentra en la cartuja de Miraflores, en Burgos. Éste sepulcro es exento, pues no se encuentra adosado a una pared. Los yacentes se encuentran sobre una plataforma con forma de estrella. Sobre la cama están los dos yacentes del rey y reina. El material constructivo es el alabastro. La exquisita habilidad de Gil de Silóe en el tratamiento del alabastro le permitió obtener calidades muy diferenciadas en telas, carnaciones, vegetales... Por otra parte encontramos una rica iconografía (tenemos a las virtudes, a los 4 evangelistas...) y una compleja organización arquitectónica (véase la siguiente fotografía). -DONCEL DE SIGÜENZA-GUADALAJARA En este caso, nos encontramos con un arcosolio, ya que el sepulcro se encuentra adosado a un muro o pared. Este es un sepulcro distinto, pues el difunto se representa vivo (se encuentra leyendo). Por otra parte va a destacar el individualismo. Lleva consigo un carácter de soldado, y ésto se acentúa por su armadura. La escena se vuelve más dramática si observamos al personaje que aparece a sus pies, y que se encuentra sosteniendo un yelmo. Por otra parte, el doncel se apoya sobre unas hojas de laurel, símbolo de la victoria. La autoria de este sepulcro es desconocida. Estos son algunos de los ejemplos que nos podemos encontrar sobre la escultura funeraria española durante el s.XV P.D: un tema fascinante, ¿a que si?

Fachada norte de la Catedral de Santiago

2009-12-31T02:48:00.001-08:00

La fachada norte también conocida como azabacherías era de estilo románico, pero en 1757 se decidió sustituirla por otra que llenase los gustos de la época, debido a un incendio. Algunas de las figuras que se encontraban en esta fachada y que fueron rescatadas, se encuentran hoy en Platerías. El incendio que se originó en el siglo XVII provocó la sustitución de la fachada románica por otra que se adaptase a los gustos neoclásicos de la época (aunque hoy en dia tenemos una mezcla de estilos en esta propia fachada): -1º cuerpo de altura: es de estilo barroco. Tenemos unos podiums donde se apoyan las columnas, y en estos podiums cabe mencionar las placas. -2º cuerpo de altura: en este cuerpo la decoración queda reducida a una temática propia del mundo neoclásico: los medallones. Es cierto que volvemos a tener unos podiums donde se apoyan las columnas, pero esta vez son lisos. -3º cuerpo de altura: lo verdaderamente neoclásico es este cuerpo de altura, es decir, el "ático". Nos encontramos acróteras que terminan este cuerpo final. La fachada de azabacherías constituye uno de los primeros ejemplos de arte clásico de Galicia (aunque elementos neoclásicos y barrocos conviven bajo la misma fachada). *Sobre los principios teóricos del neoclasicismo: -Es un arte basado en reglas -Arte con una función edificante y moral (estoicismo, sacrificio y patriotismo). -Tiene que tener una finalidad didáctica (no tiene ninguna finalidad religiosa, sino ética). *En cuanto al lenguaje plástico: -Defesensa de la línea recta frente a la curva (la curva predominaba en el mundo del barroco). -La proporción y simetría son los principios que dominan el mundo del neoclasicismo. P.D: seguro que muchos de los que han leído este post, no sabían que esta fachada era neoclásica... P.D2: FELIZ AÑO A TODO EL MUNDO!!!

Vidrieras de la Catedral de León

2009-12-28T03:25:00.000-08:00

El pasado viernes 18 de diciembre, tuve la oportunidad de realizar una mini-excursión con la gente de mi clase para visitar mi humilde tierra Leonesa (no era la primera vez que iba). De todas formas, cuanta más experiencia y conocimientos tengas sobre el tema, más disfrutas de la estancia. Y esto fue lo que me pasó al entrar por 2º vez en la catedral, pues me quedé atontada con tanta belleza. No paraba de mirar los 3 cuerpos de altura: arcada, triforio y claristorio. ......................................................................................................... Ahora hablemos de las vidrieras de dicha catedral: -El desarrollo técnico de las vidrieras, proceso que conlleva un nuevo concepto simbólico de la luz y una nueva valoración e interpretación de los programas iconográficos, corre paralelo a la evolución de la arquitectura gótica. -El origen de las vidrieras de la catedral de León, al igual que ocurría con la arquitectura y la escultura, debe rastrearse en la vidriera francesa, pues nos remite a los modelos de las catedrales de Reims o Amiens. -Las treinta y una ventanas que componen el claristorio crean la mayor superficie traslúcida de la catedral, cerrada con vidrieras de los siglos XIII y XV de variada temática. Aunque es cierto que algunas de estas vidrieras fueron restauradas en el s. XIX -Nos encontramos con distintos temas: bíblicos, heráldicos, vegetales. A continuación unas imágenes para ilustraros: -DETALLE DE LOS 3 CUERPOS DE ALTURA: ARCADA, TRIFORIO Y CLARISTORIO -DETALLE DE UNO DE LOS ROSETONES + VIDRIERAS (formadas por 2 lancetas y un mini rosetón) -DETALLE DE VIDRIERAS DE UNA CAPILLA DE LA CABECERA -DETALLE DE UNA VIDRIERA -SUPER DETALLE DE UNA VIDRIERA P.D: preciosa catedral, preciosísima!!

Caspar David Friedrich

2009-12-20T02:41:00.000-08:00

Caspar David Friedrich (1774-1840) fue el principal representante de la pintura romántica alemana. Fue educado según la confesión protestante de su familia. Varios fallecimientos ocurridos en su familia a lo largo de su infancia-juventud le indujeron a que se ocupase intensamente en el tema de la muerte. En cuanto a su temática, hay que destacar que "la pintura es un instrumento para hablar con Dios": -gusto por el paisaje, donde tenemos la nimiedad del hombre frente a la naturaleza. -la iluminación es iridiscente, crepuscular. -presencia de pocas figuras, y situadas de espaldas. .................................................................................................................................. Ahora hablemos de algunas de sus obras: -MONJE A LA ORILLA DEL MAR- (1808-1810) Se rompen las líneas de la composición. Destaca lo infinito, lo sublime. Nos ofrece la "nada", el vacío (que sin embargo todo lo llena). Tenemos un cielo que abarca toda la obra, asi como el mar negro. Tenemos la insignificancia del hombre frente a la naturaleza (tema que repetirá constantemente). Esta obra está inspirada en la obra Vista de Delf de Vermeer (barroco holandés). Volviendo a la obra de Friedrich, decir que en un primer plano tenemos una figura que por sus vestiduras deducimos que se trata de un monje. Se dice que pertenece a la orden de los capuchinos. Aparece como pensativo. -ABADÍA EN EL ROBLEDAL- (1808-1810) Aqui se nos representa la fugacidad de la vida y la presencia de la muerte (encontramos el paso a otra vida, por eso no nos muestra esta obra de manera aterradora, pues la muerte sólo es un paso y no el fin). Es una composición donde TODO está perfectamente ordenado. La formación académica es el principio de dicha obra. Por otra parte tenemos la presencia de una luz crepuscular, que habla de la esperanza. -OCÉANO GLACIAR- (1823) Debe considerarse una obra programática. Es la cumbre de todas las preocupaciones del pintor. Es una pintura un tanto compleja, sobre todo por su composición. En esta obra vemos la belleza de un océano glaciar. Destaca un gran dramatismo en la obra, que entra en contacto directo con el espectador. El centro del cuadro está presidido por grandes bloques de hielo que sepultan parte del barco. Tenemos la celebración del eterno poderío de la naturaleza (dentro del estilo sublime). Por otra parte, hay que mencionar la importancia de los colores, que tienen un cierto carácter divino (sobre todo los blancos). P.D: espero que os haya gustado este post, la verdad es que Friedrich fue un gran artista!! Adoro su pintura (es cierto que no he comentado algunas de sus obras más conocidas, pero de esta manera también conoceis otras).

Sobre el Romanticismo

2009-12-12T04:25:00.000-08:00

Hoy vamos a hablar sobre el movimiento romanticista con respecto a la pintura. Pero empecemos con una breve introducción sobre el romanticismo: -Neoclasicismo y Romanticismo van a ser 2 corrientes que se desarrollen al mismo tiempo. -El Romanticismo es un movimiento artístico que surge como reacción al Neoclasicismo. A pesar de ello, va a vivir del pasado (pero no del mundo antiguo como hacían los neoclasicistas, sino del mundo MEDIEVAL). Por tanto tenemos una mirada hacia la baja Edad Media (subrayando la herencia cristiana). -Otra característica del movimiento romanticista es que no se va a desarrollar de la misma manera en todos los lugares. -Más que un movimiento pictórico, estamos hablando de un modo de vida (pues también afectó al mundo literario y al musical). Hablando de los principios de la pintura romántica, hay que mencionar: -Pincelada suelta, libre, expresiva, de tonalidades cálidas y luminosas con toques de vivacidad. Pintura extravagante, llamativa. -Predominio del COLOR sobre la LÍNEA. -Composición libre, es decir, ruptura con el orden y equilibrio. -Perspectiva enfática: aquella que busca confundir al espectador (normalmente actúa con varios puntos de vista). -Temática: pasión por los sentimientos, por el individuo y naturaleza. El PAISAJE empieza a tener valor por si mismo. Ya no será el simple fondo de la composición. -La estética del movimiento romántico tendrá como objeto artístico las experiencias del creador (ahora entendido como un sujeto activo). -NO se rige por una formulación de principios o de normas. Acude a la "introspección", a la sensibilidad del YO (no se configura como un movimiento monolítico). -Existe la búsqueda de lo onnírico, de lo espirital (FRIEDRICH en Alemania). También tenemos una búsqueda de la fantasía por parte del autor (GERICAULT en Francia), así como la búsqueda de lo literario. Por último quería comentar que según Gërard de Lairesse: "cualquier cosa que nos llame la atención, es digna de ser pintada". P.D: continuaré hablando del romanticismo con diversos pintores de esta tendencia.

"Hoja Morgan" de la biblia de Winchester

2009-12-05T13:50:00.000-08:00

Hoy vamos a hablar sobre la miniatura inglesa. Y como ejemplo os voy a poner esta maravilla, que recibe el nombre de "Hoja Morgan" de la biblia de Winchester. Fue Enrique de Blois quien realizó esta miniatura. En 1171 muere, quedando la biblia sin terminar. Pero lo único que ha llegado hasta nuestros dias ha sido esta hoja. En esta miniatura se representa la historia del rey David. Nos encontramos con 3 registros. Cabe destacar el inferior, donde vemos el velo de timantes: el rey David se tapa con su manto rojo el rostro al recibir la noticia de que su hijo había fallecido (se habia enredado el pelo con las ramas de un árbol, y fue entonces cuando el enemigo aprovechó para clavarle una lanza...). El dolor que alcanza un padre al saber que su hijo está muerto es inexplicable, por eso se ha decidido tapar el rostro del rey David de esa manera. Por otra parte, es importante destacar en esta miniatura la importancia del color tonal: los colores se gradúan con pequeños "toques" de blanco (NO se trata de un sombreado como pasaba en épocas anteriores). Lo que importaba eran los personajes, y por esta razón el fondo y la decoración vegetal son prescindibles (a no ser que hicieran falta para narrar la hisoria, como pasa con el hijo del rey David). P.D: conclusión, ¿a quién NO le gustaría tener una hoja como ésta?

Sobre Mark Rothko

2009-11-29T05:16:00.000-08:00

Mark Rothko (1903-1970) fue un pintor y grabador nacido en Letonia, que vivió la mayor parte de su vida en los Estados Unidos. Ha sido asociado con el movimiento contemporáneo del expresionismo abstracto. En 1925 inició su carrera como pintor en Nueva York de modo autodidacta. A partir de 1947 su estilo cambió y comenzó a pintar grandes cuadros con capas finas de color. Al pasar los años la mayoría de sus composiciones tomaron la forma de dos rectángulos confrontados y con bordes desdibujados por veladuras. Son frecuentes los grandes formatos que envuelven al espectador, con la finalidad de hacerle partícipe de una experiencia mística, ya que Rothko daba un sentido religioso a su pintura. Al final de su vida sus cuadros son de tonalidades oscuras, con abundancia de marrones, violetas, granates y, sobre todo, negros. Y ahora un vídeo sobre este fantástico artista: P.D: cada día me gustan más sus obras...(si, tengo debilidad por el movimiento abstracto!!). Sólo espero que podais apreciar estas maravillas tanto como yo.

Dánae de Tiziano

2009-11-24T03:28:00.000-08:00

Para empezar voy a comentaros una pequeña introducción de su formación: *Tiziano llegó a Venecia cuando tenía 10 o 12 años aproximadamente. *Sus inicios están unidos al taller de Sebastiano Zuccato, pero pronto se mudó al taller de Bellini. Quedaría en deuda con él, pero finalmente tuvo un acercamiento con Giorgione (que representaba la vanguardia del arte contemporáneo veneciano). *Giorgione había combinado el poderodo colorido de Bellini con el realismo tonal de Leonardo Da Vinci para crear un mundo fugaz y menos estático. *Tiziano hizo de este estilo el suyo, pero aportando una personalidad artística más sólida, que tras la muerte de Giorgione en el 1510, le proporcionó la suficiente capacidad de liderazgo: siendo el máximo representante de la escuela veneciana (se convirtió en la sede del color frente a Roma y Florencia que fueron las sedes del dibujo). -DÁNAE- Forma parte de una serie de cuadros de tema mitológico (basados en la metamorfosis de Ovidio), encargados por el rey Felipe II, que llamó "poesias": que exige creatividad y cierta licencia al interpretar las fuentes. Los dioses representan metáforas de sumición ciega del hombre al destino y a las fuerzas fuera de su control. -PASAJE MITOLÓGICO: Dánae fue encerrada en una torre por su padre, por miedo a una terrible predicción, según la cual, su nieto le mataría. Estando Dánae en la torre, se le apareció Zeus metamorfoseado como lluvia dorada para poder llegar hasta la doncella. Fue entonces cuando concibieron a Perseo, quien mató a su abuelo (aunque fue por accidente). La obra capta un momento concreto del pasaje mitológico, y lo desarrolla con un notable dinamismo. El dios llega en forma de lluvia de oro para seducir a la hermosa dama, y la sirvienta (que es la que está a su lado) se inclina rapidamente para recoger las monedas de oro (Zeus metamorfoseado), dejando claro que Dánae va a aceptar la proposición de éste. Ya que el cuerpo de Dánae simboliza la acptación del destino implacable. Podemos trazar una diagonal de la cabeza a los pies de Dánae, y en donde podemos señalar la pierna que abre y estira, adquiriendo un movimiento sensual que nos remite a una mejor acomodación para la visita de Zeus. La Dánae es la protagonista indiscutible de la obra, iluminada por una luz sobrenatural, que contrasta con la sirvienta y el resto de la composición. Ya que esta obra no destacan los trazos ni el dibujo, sino la luz y el tratamiento del color. Su habitación es un espacio oscuro, con cortinajes rojos haciendo de dosel del lecho. P.D: esta va a ser mi parte del trabajo de arte moderna, para la exposición del 2 de diciembre.

Jacques Louis David: La muerte de Marat

2009-11-19T01:11:00.000-08:00

Jacques-Louis David fue un pintor francés de bastante influencia en el estilo neoclásico. Buscó la inspiración en los modelos escultóricos y mitológicos griegos , basándose en su austeridad y severidad, algo que cuadraba con el clima moral de los últimos años del antiguo régimen. Su formación la adquiere fundamentalmente en Roma, donde aprende de los modelos clásicos. Una de sus obras culminantes es "LA MUERTE DE MARAT": Un horrible crimen se convierte en arte para siempre!! Marat era hijo de una suiza y padre español. Este hombre fue un gran médico (aunque compró el título....) y físico. Desempeñó cargos importantes dentro del partido Jacovino. De aquella se pensaba que matando a Marat, conseguirían tener el poder. El artista representó a Marat en una bañera, porque éste tenía una enfermedad en la piel, y el único sitio donde se encontraba mejor era dentro de la bañera (con agua). Marat era un hombre de gran humildad, y esto se refleja en el cajón de madera que utilizaba como escritorio). La obra está realizada a partir de un boceto y tiene sus influencias como por ejemplo: -Piedad vaticano- Miguel Ángel -Entierro de Cristo- Caravaggio Y esto se explica, teniendo en cuenta que el artista trata de identificar la figura de Marat con la de Cristo. Esto sólo es una teoría más, pero si nos fijamos en la figura de Marat, vemos como está envuelto en una sábana blanca tras su muerte, como aparecen los Cristos de las otras obras. Por otra parte no existe ningún motivo religioso: tras la muerte queda el vacío (vemos como en la parte superior del cuadro de la obra se refleja la nada). Y por último destacar el dibujo sobre el color. *Flecha amarilla: sábana blanca donde se encuentra el cuerpo inerte de Marat. *Flecha rosa: señala la puñalada en el cuerpo de Marat, y el cuchillo que le dió muerte (por asesinato). *Franja roja: señala una nota que sostiene Marat en su mano, y que dice asi: '13 de Julio de 1793: Marie-Anne-Charlotte Corday a la ciudadana Marat: "Suficiente es para mi ser realmente desgraciada de tener un derecho a tu amabilidad". *Franja naranja: tenemos una pluma con un tintero, y otros papeles encima del cajón que le servía de escritorio. *Franja azul: tenemos el nombre del muerte y la propia firma del artista. Nos puede recordar a una esquela.

Evolución: columnas adosadas

2009-11-13T08:45:00.000-08:00

He de admitir mi pasión por la arquitectura medieval, y por eso hoy os traigo un post que marca la evolución de uno de los elementos que caracterizan dicha arquitectura: las columnas. En este caso me gustaría centrarme en las adosadas (pegadas al muro), y compararlas en los períodos románico y gótico. Pero empecemos por la definición de columna: pieza arquitectónica vertical y de forma alargada que sirve, en general, para sostener el peso de la estructura, aunque también puede tener fines decorativos. -ROMÁNICO-En este período todavía se estaban descubriendo nuevas formas y funciones en la arquitectura. Podemos decir que todavía estan experimentando con la arquitectura. Las columnas adosadas de este período se caracterizan por colocarse en el mismo sentido de como sacaban las piedras de la cantera, es decir, en sentido horizontal. Las columnas adosadas del románico están "pegadas" literalmente al muro, de hecho es como si el muro tuviera un gran relieve circular en forma de columna, pero esto cambiará con el tiempo. -GÓTICO-En el período gótico, lograron adquirir una gran experiencia arquitectónica con respecto al período anterior (teniendo en cuenta que siempre se empieza por un aprendizaje). Es en estos momentos cuando se dan cuenta que pueden jugar con las columnas adosadas, sobre todo las que están situadas en los puntos débiles, pues en realidad no llevan a cabo ninguna función (aunque parezca que ayudan a sujetar mejor las presiones de las bóvedas). Por otra parte, esa especie de anillo que teneis subrayado de amarillo en la imagen, es un elemento que permite unir el fuste de las columnas, mientras que esa especie de cuña estaría por dentro del muro. A continuación podeir ver los ejemplos citados con imágenes: -Ejemplo de columna adosada en el románico. -Ejemplo de columna adosada en lo que sería el "punto débil" de la arquitectura gótica. P.D: espero que a pesar de las 2 primeras imágenes (como no encontré ninguna en internet, decidí hacerlas yo misma...) podais entender lo que pretendía explicar!!

Sobre Juan Muñoz

2009-11-07T15:43:00.000-08:00

Hoy quiero dedicarle el post a un gran escultor español: Juan Muñoz (1953-2001). El otro dia, unas compañeras de clase hicieron un trabajo sobre dicho escultor, y la verdad es que me encantó la exposición. Por eso he decidido compartir esta información con vosotr@s: -Juan Muñoz se caracteriza fundamentalmente por su producción de obras de carácter "narrativo" -rompiendo los límites de la escultura tradicional. Sus instalaciones a menudo invitan al espectador a relacionarse con ellas, dejando de sentirse espectador para discretamente formar parte de ellas. Lo que él pretendía era intimidar con sus esculturas. Éstas al ser monocromáticas, gris plomo o color cera, ganan en discreción, pero esa ausencia de individualidad nos incomoda muchas veces. Para sus esculturas, Juan Muñoz utilizó principalmente papel maché, resina y bronce. Sus influencias proceden del cine, literatura... Y tras esta breve explicación del autor, pasamos a la galería de imágenes:

P.D: espectacular!!

Piedad del Vaticano & Piedad Rondanini

2009-11-04T00:46:00.000-08:00

Miguel Ángel (Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni 1475-1564), fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. En el 1489, Lorenzo el Magnífico le autoriza a estudiar en el palacio de los Médici. Lorenzo fue su primer mecenas. Entra en contacto con el mundo de la filosofía neoplatónica (será neoplatónico hasta el final de su vida). Miguel Ángel en esta academia de la corte de Lorenzo entra en contacto con modelos clásicos que intenta superar. Veamos 2 obras escultóricas: 1-PIEDAD DEL VATICANO (1498-1499) Esta obra fue encargada con un sentido funerario. Y esto explica la adopción de este tema insólito para el arte italiano del momento (puesto que era característico más bien de la zona de florencia). Este tema permitía plasmar el sentido realista y expresionista que encajaba con la religiosidad del norte de ese gótico final del s.XV Pero Miguel Ángel le va a dar un tratamiento distinto: no va a presentar una muerte real, ya que a él le interesaba representar la prefiguración que tiene María de la futura muerte de Cristo (caracter divino de la muerte de cristo). Para ello nos presenta a una virgen jóven y a un cristo representado como un héroe dormido: refuerzan ese contenido divino de la obra. Por otra parte, su suma la ausencia de rasgos y huellas de la mortificación. Son 2 figuras que se alejan de esa realidad. Los rostros de las figuras están dulcificados. Y hay un tratamiento suave en la figura del héroe dormido. También cabe destacar el esquema piramidal (triángulo): símbolo de la TRINIDAD. Por último decir que esta escultura está perfectamente acabada (incluso las rocas donde se encuentran sentadas las figuras). 2-PIEDAD RONDANINI Parece que empezó esta escultura hacia 1552 y estuvo trabajando en ella hasta la víspera de su muerte en 1564. En realidad no se sabe con exactitud si está acabada o no, pero nos muestra la fusión de madre e hijo: lo divino. Expresa un sentimiento religioso. Domina el espíritu y desprecia la materia. La virgen lucha por sostener el cuerpo de cristo. El sufrimiento de María, que se transforma en una visión de la suprema unión entre la madre y el hijo. Por otro lado destaca la técnica del "non finito", expresa la materialidad de la muerte de cristo. Tenemos a una madre cargada de dolor, lejos de la virgen eternamente jóven del Vaticano. P.D: La verdad es que no se podría escoger entre ellas, pues son fantásticas las 2!!

La idea de ciudad en el Renacimiento

2009-10-30T14:43:00.000-07:00

El Renacimiento "abre" la época moderna. Es en estos momentos cuando las ciudades ya están completamente civilizadas, después de los malos momentos que habían sufrido en otras épocas como la Edad Media (sociedad preocupada por sobrevivir el dia a dia). Destacar el Quattrocento (s.XV) y Cinquecento (s.XVI) italianos, aunque para el resto de los paises europeos, el s. XV todavía era un período gótico. Las ciudades ya estaban hechas, por eso solamente se llevaron a cabo algunas modificaciones en las construcciones (no suelen hacerse ciudades porque para ello hace falta mucho poder político y económico). Por otra parte, se desubre el texto de Vitrubio (teórico de la arquitectura) en época renacentista, que será la futura bíblia para los arquitectos. Éste proponía un modelo de ciudad utópica, por eso los hombres del Renacimiento quisieron llevar a cabo este modelo de ciudad ideal. Un claro ejemplo es la ciudad ESFORZINDA de Filarete: Para que una ciudad fuera ideal, tenía que asentarse en un lugar agradable y lúdico, que pudiera beneficiar al ambiente de la ciudad. Por otra parte, destacan las formas geométricas que hacen referencia a la perfección, a lo divino (se pensaba que el círculo era la forma más perfecta para una ciudad). En cierta medida hace referencia al mundo clásico: sabemos que en la época renacentista se basaron en la antigüedad clásica. El proyecto de Filarete se basaba en una ciudad redonda. Sus murallas eran menos altas que en los períodos anteriores porque a estas alturas ya existían otros medios para defenderse. Sin embargo esta ciudad nunca se llevó a cabo, pero tenemos otro ejemplo que sí se realizó, la llamada ciudad de PALMANOVA: P.D: increible el período renacentista, ¿a que si?

Ágora: menudo peliculón!!

2009-10-25T02:16:00.000-07:00

Ágora es el título de una película española dirigida por Alejandro Amenábar estrenada en España el 9 de octubre de 2009. La película es un drama histórico y biográfico que se desarrolla en la ciudad de Alejandría, Egipto a partir del año 391 d.C. El personaje central es la filósofa y astrónoma Hipatia de Alejandría que será asesinada, descuartizada e incinerada por los seguidores del obispo y santo cristiano Cirilo de Alejandría en el año 415 d.C. -LA HISTORIA OLVIDADA- La historia se desarrolla en un mundo casi legendario, practicamente olvidado por el mundo del cine, una época y un lugar únicos, Alejandría, 391 d.C., crisol de las antiguas culturas egipcia, griega y romana, que contó con el Museo de Alejandría, el Serapeum, el Cesareum, la Vía Canópica (vía que atravesaba Alejandría permitiendo la comunicación de la ciudad con el puerto -en la antigua ciudad deCanopus-) y el Faro de Alejandría, una de las siete maravillas del mundo. Un mundo que iba a quedar sepultado bajo el empuje del cristianismo. -ARGUMENTO- La historia se sitúa en el Egipto del Bajo Imperio romano y narra el ascenso del cristianismo como religión hegemónica del Imperio Romano y los disturbios que provoca, los cuales alcanzan la segunda Biblioteca de Alejandría donde, atrapada tras sus muros, la brillante astrónoma Hipatia, lucha por salvar la sabiduría del mundo antiguo.Junto a ella resiste su joven esclavo, Davo, que se debate entre el amor que profesa en secreto a su dueña y la libertad que podría alcanzar uniéndose al imparable ascenso de los cristianos. Y AQUI OS DEJO EL TRAILER PARA LOS QUE TODAVÍA NO LA HAYAN VISTO!! P.D: os recomiendo la película, merece la pena!!

Recibo el premio: Precioso blog!!

2009-10-17T11:30:00.001-07:00

El blog Bachiller de artes IES Maria Soliño, me ha otorgado este bonito premio, "que vale más que las pesetas" (os copio la frase, me encantó). Muchas gracias por el detalle!! Mis blog premiados son: INICIARTE y ALGO MÁS QUE CUADROS. Mis felicitaciones a ambos, el premio es bien merecido!!

Sobre Vladimir Kush

2009-10-15T02:15:00.000-07:00

Vladimir Kush, nacido en 1965 en Moscú, es un pintor surrealista que define su arte como realismo metafórico. Comenzó a dibujar y a mostrar su capacidad artística a la edad de tres o cuatro años. Aburrido con el estilo de Paul Cézanne en el que se centraba su escuela de bellas artes, Kush comenzó a mezclar imágenes surrealistas pintando su primer cuadro de este estilo a los catorce años. Experimentó con diferentes estilos impresionistas después de ver un libro de Salvador Dalí de los años 80, mas este estilo no prevaleció en su obra. Influido por su padre, científico de oficio, piensa que la pintura realista muestra la capacidad profesional del artista adentrando al espectador en un mundo fantástico. Este es un artista extraordinario, no hay obra de él que no me guste!! Aqui os dejo algunos ejemplos fantásticos: P.D: preciosas obras, ¿a que si?

¿Arte u objeto industrial?

2009-10-09T14:17:00.000-07:00

En primer lugar, disculparme por el retraso en actualizar el blog, he estado algo liada con el inicio del nuevo curso. ........................................................................................................... Bien, hoy queria hablar sobre un tema realmente interesante que se comentó el otro dia en clase de Teoría del Arte. Es una pequeña reflexión, de esas que os gustan a algunos!! Pues bien, todo empezó con la obra llamada "Pájaro en el espacio" de Constantin Brancusi, cuando dicha obra se disponía a pasar los controles de seguridad de un aeropuerto para ser enviado a una exposición. El guardia que se encontraba por allí afirmó que tal objeto no era arte, sino un producto industrial y como tal debía de pagar las tasas obligatorias. Las obras de arte no tenían que pagar tasa alguna, pero el guardía insistió en que eso era un simple objeto que no transmitía emoción ni sensación alguna, a parte de que no era "bonito"... Todo esto originó un juicio, en donde había defensores de dicha escultura. Estos se fundamentaban en la misma teoría del guardia pero a la inversa, es decir, ellos decían que si transmitía emociones y que era un objeto que reflejaba belleza. Finalmente, el juez declaró que "pájaro en el espacio" era una obra de arte, por algunas de las razones ya mencionadas. Por último dijo una reflexión: "tal vez el problema esté en que estas obras de arte estén evolucionando demasiado rápido...lo que hace que la gente tarde en acostumbrarse a ellas". Espero que después de haber leido este texto, os hayais quedado con la idea que quería transmitir!! P.D: ¿que es arte?.......................demasiado complicada y compleja esta definición, ¿no creeis?

Santiago returns

2009-09-30T03:20:00.000-07:00

Hola a tod@s!! solo quería avisaros de que mañana empiezo las clases de mi 2º curso de historia del arte, en una de las ciudades más maravillosas: Santiago de Compostela. Por esta razón seguramente no tenga demasiado tiempo para dedicárselo a mi querido blog, y os pido un poco de paciencia por si estoy más de 1 semana sin actualizar (la vida del universitario es muy dura aunque se diga lo contrario jeje). Muchas gracias por estar ahí, gente!! P.D: os prometo entradas didácticas y muy interesantes relacionadas con algunas de las asignaturas que cursaré este año, como pueden ser: Teoría del arte // Arte contemporáneo // Arte moderna o Introducción al método inocográficos.

Op art: Victor Vasarely

2009-09-30T03:16:00.000-07:00

Fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del OP ART. Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de la Bahuaus. Le atrajeron Mondrian (♥) y Mallevich y se interesó por la astronomía. Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra del OP ART. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas). Y ahora un pequeño vídeo donde se pueden ver algunas de sus obras: P.D: post realizado con la ayuda de Wikipedia (que seríamos sin ella...)

Prisión provincial de A Coruña

2009-09-26T06:30:00.000-07:00

La prisión provincial de A Coruña es un edificio muy llamativo pintado en tonos granates y blancos situado en el paseo marítimo de esta ciudad gallega, muy cerca de la torre de Hércules, el faro en funcionamiento más antiguo del mundo y proclamado recientemente PATRIMONIO DE LA HUMANIDAD. Antiguamente, existía otra prisión por los alrrededores, pero en el año 1927 se edificó la que tenemos actualmente. Como se puede apreciar en estas imágenes, el plano de la prisión está formado por lo que llamamos PANÓPTICO, muy presente en los s.XVIII-XIX: desde un punto central (el puesto de vigilancia) se abren las habitaciones de los presos, para que con menos vigilancia estuvieran igual de vigilados (gracias al punto de control). Por otra parte, vemos como está integrada en la ciudad, pero hay que tener en cuenta que antiguamente esto era monte. La Diputación de A Coruña planea ubicar un museo dedicado al automóvil en este edificio, que tendrá características similares a la Casa de las Ciencias y la Domus (Casa del Hombre).

Sobre el Dadaísmo

2009-09-23T02:59:00.000-07:00

El Dadaísmo fue un movimiento de protesta y de rechazo contra todo lo establecido. Su nihilismo queda patente en su propio nombre, que proviene de la palabra "dada", elegida al azar por el poeta Tzara y que significa "caballo de juguete". Sin actitud rupturista no se podría entender la evolución del arte del s.XX El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirvieron también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano. El movimiento dada nació en un café cantante de Zurich en 1916, donde se recitaban poemas. Esta ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que querían escapar de la guerra. Allí se reunieron representantes de diversas escuelas como el expresionismo alemán, el futurismo italiano y el cubismo francés. Esto da al dadaísmo la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra una escuela anterior, sino que cuestiona el concepto del arte antes de la Primera Guerra Mundial. La difusión del dadaísmo se debió a la publicación de la revista Dada, que gracias a ella, sus ideas se extendieron por Berlín, Colonia, París y Nueva York. 1º imagen: "Fuente de Duchamp" 2º imagen: "Es la hora" 3º imagen: "Los pilares de la sociedad" P.D: post realizado con la ayuda de la página web ARTEESPAÑA

Tipología de cárcel

2009-09-17T09:12:00.000-07:00

Hoy me gustaría hablar sobre las tipologías de las cárceles porque a mi personalmente me resultan interesantes. Otro dia se lo dedicaré a las tipologías de los hospitales. Bueno, para empezar hay que decir que la meta para los planos de las cárceles es optimizar todos los recursos para que con menos vigilantes, los presos siguieran igual de vigilados. En el s.XVIII-XIX destaca la idea de reclusión, tortura y castigo físico. En el s.XIX destaca la idea de la soledad, reclusión y distanciamiento. Bajo la idea de optimizar todos los recursos para seguir vigilando a los presos con menos vigilantes, cabe destacar a JEREMY BENTHAM: creador del panóptico en el s.XVIII, que sería la inversa de un teatro griego (la multitud es la observada) y el vigilante puede estar oculto a los ojos del preso. Como otro ejemplo tenemos la Maison da Force (1772-1775). Está dividida en 4 secciones, dependiente del tipo de recluso. Destaca la idea de reclusión más trabajo. Las celdas tienen ventanas+letrinas+mesa. De ideas ilustradas. Modelo radial. Por otra parte, podemos encontrarnos cárceles que tienen los pabellones separados, y que van a dar a una parte central (donde estaría el puesto de vigilancia). Sigue presente la idea del panóptico.

Los antecedentes de la Bauhaus

2009-09-14T02:05:00.000-07:00

Los antecedentes de la Bauhaus se remontan al s.XIX. Comienzan con las devastadoras consecuencias de la creciente industrialización, primero en Inglaterra y más tarde en Alemania, que tuvo en las condiciones de vida y en la producción de los artesanos y la clase obrera. El progreso tecnológico trajo consigo un cambio en las estructuras sociales; amplios sectores de la población se proletarizaron. Inglaterra se alzó en el s.XIX como la potencia industrial más prominente de Europa. Al mismo tiempo, los ingleses habían reformado. ya desde los años 50, los procesos educativos para artesanos y las Academias (los alumnos tenían que diseñar por sí mismos en lugar de copiar modelos dados). Mientras el movimiento de talleres de "Morris" representaba algo así como una utopía realizada, fuertes intereses económicos respaldaban la reforma educativa. Inglaterra quería mantener su liderazgo en el campo de las artes y oficios. En los años siguientes se fundaron numerosos "gremios de artesanos", que con frecuencia eran, además de gremios, comunas. Lograr una cultura del pueblo y para el pueblo se convirtió en aquellos tiempos en el desafío de casi todos los movimientos culturales innovadores y apadrinó también la fundación de la Bauhaus. Pero hasta la década de los noventa no ganó terreno en Alemania un segundo empuje reformador, importado de Inglaterra a través de Bélgica. Con él se introdujo el JUGENDSTIL (modernismo), que dominaría Europa Durante diez o quince años. BAUHAUS, etimológicamente significa, Casa de Construcción, fué fundada en 1919, en Weimar (Alemania), por Walter Gropius, trasladada en 1925 a Dessau y disuelta en 1933 en Berlin. El espiritu y las enseñanzas de esta institucion puede decirse se extendieron por todo el mundo. Fue la gran escuela de diseño. Nace como lugar para arquitectos, escultores y otros artistas. Los formaban para diseñar. Su objetivo final era el mundo de la industria (la creatividad en relación con los procesos industriales). Gropius miraba para la industria porque lo consideraba el futuro. No sólo se diseñaron viviendas, ya que también se trabajaba con el mobiliario. El acercamiento a la industria explica algunos de los ejemplos de la arquitectura moderna-contemporánea. P.D: post realizado con la ayuda del libro "Bauhaus" de Taschen.

Sobre las pinturas de Altamira

2009-09-11T03:14:00.000-07:00

Antes de nada, decir donde se encuentra dicha cueva: está situada dentro del territorio de Santillana del Mar , Cantabria (España). Y en ella se conserva uno de los ciclos pictóricos más relevantes de la prehistoria. Los cazadores del Paleolítico habitaron Altamira 20.000 años a.C, según ha podido averiguar un grupo de investigadores coordinados por el director de ese yacimiento arqueológico del norte de España. El descubrimiento permite adelantar 4.000 años la llegada del hombre a esta famosa cueva y encuadrar sus pinturas más antiguas en el período GRAVETIENSE (ca del 30.000 a.C) Se trata de figuras de caballos y manos humanas que no se pueden datar mediante la prueba del Carbono 14 porque carecen de pigmentos orgnánicos. En su dia se les atribuyó una antigüedad de 18.000 años gracias a los restos encontrados en sus inmediaciones, pero un nuevo análisis realizado sobre tierra excavada hace un siglo incrementa su edad hasta los 21.910 años, lo que descarta que fueran realizadas en el período SOLUTRENSE, algo que no terminaba de encajar con su estilo. El director de Altamira, José Antonio Lasheras ha afirmado que lo que ya se habia encontrado a principios del s.XX, ahora se había mirado mejor. Los nuevos datos permiten entender mejor la evolución de los habitantes de Altamira y poner en el contexto adecuado sus pinturas. P.D: noticia sacada de ARTESELECCIÓN

Selección de videos graciosos

2009-09-08T07:02:00.000-07:00

Hola a tod@s!! como hoy no me he levantado muy inspirada, y como no me apetece escribir demasiado (si...puedo llegar a ser muuy vaga jeje) he decidido enseñaros este video que me ha parecedo divertido y gracioso. A disfrutarlo: P.D: este vídeo seguro que les suena a mis compañeros, o al menos los que iban a clase de Español con Julio >_<

Introducción a las tipologías arquitectónicas

2009-09-06T02:18:00.000-07:00

-CONCEPTO DE TIPO- Definición de tipo: esquema arquitectónico que se repite en la historia y que da lugar a una gama de edificos que aunque distintos, presentan constantes formales y funcionales (esta reflexión no cogió relevancia hasta mediados del s. XIX-XX con autores como Nikolaus Pevsner o Aldo Rossi). -A finales del s.XVIII Etienne Louis Boullée rompe con la tradición y las tipologías arquitectónicas con su proyecto: cenotafio a Isaak Newton. Con él surgen nuevos modelos arquitectónicos. No respetó las tipologías, las "repiensa". Destaca la simplifidad de las formas. -Andrea Palladio se fijó en un tipo concreto, específico: "la villa en el campo". Sus ejemplos arquitectónicos destaca por la simetría que adquieren. Estas villas suelen tener una planta cuadrada, y con patio central. Destacan las 4 entradas acentuadas por las grandes 4 escalinatas (que se encuentran en la mayoría de sus villas). Por otra parte también hay que citar las habitaciones, que conforman un cuadrado, ya que son regulares y del mismo tamaño. -Louis Durand se acerca más al concepo de tipo. Eleva la simplificación de las formas creando una "metodología", una nueva forma de proyectar: Precis des leçons d´architecture. Es el método racional de proyección que parte de un esquema básico que se va complicando. Se parece a la idea de Palladio para la villa (ambos mantienen una simetría total). Durand intentó seguir la idea de Palladio en el s.XIX

Kandinsky en el museo Pompidou

2009-09-04T02:57:00.000-07:00

Pocos acontecimientos despiertan tanto interés en una ciudad como París. Pocos son los artistas que consiguieron superar la expectación generada por WASSILY KANDINSKY. Sólo Dalí y Matisse atrajeron en su dia hasta el centro Pompidou más visitantes que la gran retrospectiva del maestro ruso que se clausuró el 10 de agosto. "Kandinsky, absoluto, abstracto" alcanzó los 703.000 visitantes en 4 meses, un 50% más de lo anunciado en las previsiones más optimistas. A un promedio de casi 6.600 visitas diarias, la exposición de Kandinsky se convirtió en la gran atracción artística de la primavera parisina. Los organizadores han tenido que invertir 2.5 millones de euros en seguros, transportes y derechos de exposición, aunque las 3 instituciones implicadas en el proyecto esperan su inversión durante los 2 años que se prolongará la gira. La próxima extación: Nueva York, donde podrá contemplarse en el museo Guggenheim entre el 18 de septiembre y 13 de enero. ¿A que es fantástico? Kandinsky en el Guggenheim de Nueva York...me encanta!! uno de los mejores pintores en uno de los mejores museos (en mi opinión). Oportunidades como esta no están al alcance de todos, asi que los que podeis ir a disfrutarlo. P.D: noticia sacada de ARTESELECCIÓN.

Monasterio de Santa Maria de Carracedo

2009-09-01T02:11:00.000-07:00

Hoy os voy a hablar sobre un monasterio alucinante, que merece la pena visitar. Se llama Monasterio de Santa María de Carracedo y se encuentra situado en el Bierzo (León-España). Los orígenes de dicho monasterio se remontan al año 990, cuando el rey Bermudo II dona una finca para acoger a los monjes que huían de las incursiones de Almanzor. Aquel primitivo monasterio, llamado de San Salvador (del que no se conserva resto alguno) fue restaurado en el año 1138 por la infanta doña Sancha, hermana del rey Alfonso VII. De este modo renace Carracedo, convirtiéndose en cabeza de una congregación con numerosas filiales de León, Asturias, Galicia y Zamora. Hacia el 1203 esta congración ingresará en la orden francesa del Císter, cambiando sus antiguos hábitos benedictinos por los blancos cistercienses y trocando su anterior nombre de San Salvador por el de Santa María de Carracedo. -EL CONJUNTO MONÁSTICO- Todo monasterio es un lugar sagrado, de oración, en donde el monje se entrena en realizar la obra de Dios; por ello la iglesia polariza la vida monástica. Además es casa y taller, que acoge entre sus muros de clausura todo lo necesario para vivir y trabajar (una especie de microcosmos). Y ahora, en vez de explicar cada parte del monasterio por escrito, lo haré mediante imágenes:

P.D: os recomiendo esta visita....es impresionante!! P.D2: no tengais en cuenta algunas de las restauraciones como esta...aunque sean un espanto!! teneis que valorar el monasterio en conjunto (^_^)

Excursión a las Médulas

2009-08-27T07:38:00.000-07:00

Hola a tod@s!! ya estoy de vuelta y enganchada más que nunca a la red. Estoy lista para volver con mi pequeño blog,no sabeis cuanto lo eché de menos....SI....y a vosotr@s también (^_^) Hoy quiero dedicarle el post a la pequeña excursión que hice uno de los dias cuando estaba de vacaciones en el BIERZO (provincia de León-España): Las Médulas. Empecemos hablando un poco de ellas, porque no todo el mundo tiene el privilegio de conocerlas. ................................................................................................................ En primer lugar hay que decir que es un paisaje cultural declarado PATRIMONIO DE LA HUMANIDAD (aunque ha habido avisos de que están en peligro). Son unas minas de oro construídas entre los s.I-II d.C y se hicieron sobre un yacimiento aluvial (secundario), formado limos, arenas y cantos rodados. Proceden de la erosión de otros yacimientos en roca (primarios), arrastrados y depositados por corrientes de agua durante el Mioceno (fines de la edad Terciaria). El oro se encontraba en formas de pequeñas partículas, apenas visibles en medio de ese conglomerado, que era preciso deshacer y lavar para obterner el preciado metal. En la zona alta de Las Médulas se puede apreciar muy bien los sistemas utilizados por los romanos para abatir el conglomerado aurífero, asi como la red hidráulica que construyeron para conducir hasta aqui el agua que empleaban como fuerza de extracción, arrastre y lavado. Todos estos trabajos se realizaban sirviéndose de las poblaciones de la zona, perteneciente al pueblo de los astures, bajo la dirección de funcionarios y técnicos romanos. A pesar de estar sometidos a Roma, no eran juridicamente esclavos, ya que obtenían bienes y servicios (abastecimiento de alimentos, utiles, nuevas técnicas de subsistencia...) a cambio de su duro trabajo como mano de obra. Y ahora, como siempre, algunas fotos que describen bien los hechos:

P.D: os animo a tod@s a visitar los "misterios" del BierzoOo!! Y la visita a Las Médulas porque fue fantástica.

Ataque vandálico contra la Gioconda

2009-08-14T01:25:00.000-07:00

Una mujer rusa ha sido detenida en el Museo del Louvre por arrojar una taza de té contra la obra más famosa de Leonardo da Vinci. La presunta turista ocultó la taza en su bolso de mano para burlar los controles de seguridad del museo y la arrojó contra 'La Gioconda' sin que se sepa por qué. Gracias al sistema de cámaras de vigilancia instaladas en la sala se identificó rápidamente a la protagonista del atentado que acabó detenida en cuestión de minutos. El incidente ocurrió el 2 de agosto, primer domingo de mes, por lo que el Louvre se encontraba abarrotado, como suele ser habitual en dias de entrada gratuída (interesante información...). Afortunadamente las medidas de vigilancia y seguridad funcionaron perfectamente, y la obra no sufrió ningún daño. --La señora no se en que estaría pensando, pero es una de las obras que cuenta con uno de los mejores sistemas de seguridad, ya que tiene un cristal practicamente indestructible y a prueba de balas (afirman algunos...) P.D: noticia sacada de ARTESELECCIÓN Durante una semana aproximadamente, estaré de vacaciones en mi tierra!! Asi que ya continuaré cuando vuelva (allí no tengo internet...) Saludos a tod@s!!! (^_^)

Sobre la pintura romanticista

2009-08-12T02:13:00.000-07:00

*La pintura romántica sucede a la pintura neoclásica de finales del s. XVIII. Con unos nuevos gustos desarrollados por todas las facetas artísticas del romanticismo: arquitectura, literatura o filosofía. Existen varios períodos dentro de esta corriente romanticista, la primera fase (1770-1820) se desarrolla en paralelo con el neoclasicismo, o más bién en oposición a esta corriente. Pero el romanticismo no puede sólo definirse en términos de oposición, pues desarrolló sus propias características. *El romanticismo supone una ruptura con el neoclasicismo (ésta se inspira en sus inicios en la tradicción cláica para posteriormente centrarse en sucesos contemporáneos como la Revolución Francesa y la llegada al poder de Napoleón. Presciende de la decoración innecesaria y apuesta por el dominio del dibujo sobre el color). El romanticismo apuesta por el color por encima del dibujo. Pinceladas sueltas y rápidas, y las composiciones llenas de dramatismo y de dinamismo. El romanticismo francés prefiere plasmar escenas históricas, mientras que el romanticismo alemán y el inglés optan por representar la naturaleza. Son, en general, pintores barrocos los que influyen a los pintores románticos: la huella de CARAVAGGIO es obvia en Géricault; mientras que RUBENS influye en Gros y Delacroix. Los temas que preferían los románticos se evidencian en los géneros que cultivaron. Así, el tema de la naturaleza hizo que los paisajes se convirtieran en un género mayor, cuando hasta entonces era considerado menor. Trataban de expresar expresar emociones humanas a través de los paisajes. El tratamiento de las figuras procura ser realista. Así, cuidan de que la ropa de los personajes se corresponda con la época histórica que pretenden representar o con el lugar en que tiene lugar la escena. Predominó la técnica de óleo sobre lienzo. Y ahora algunas obras romanticistas: -La balsa de Medusa- GÉRICAULT (Romanticismo francés) -La libertad guiando al pueblo- DELACROIX (Romanticismo francés) -Monje a la orilla del mar- FRIEDRICH (romanticismo) -Lluvia, vapor y velocidad- TURNER (romanticismo) P.D: impresionante este último cuadro, ¿verdad? Me encanta Turner!!

Modelos de casas contemporáneas

2009-08-09T05:38:00.000-07:00

No podría explicar porque, pero desde muy pequeña mis gustos se inclinaban hacia estas tendencias contemporáneas-ultramodernas!! Siempre he soñado con tener una casa como esta, mirarla bien, chulísima!!! Aunque este otro diseño no se queda atras... Y fijaos en esta maravilla de interiores!!! Es verdad que estas tendencias han sido muy criticadas por diversos factores, como por ejemplo que no encajan adecuadamente en un entorno determinado. Está claro que debe haber opiniones para todo, pero yo considero que hacen falta más edificios como estos en el mundo (^_^) SALUDOS CONTEMPORÁNEOS!!

Evolución de la arquitectura civil contemporánea

2009-08-06T04:10:00.000-07:00

Hoy os traigo un gran vídeo que resume bastante bién la reacción y evolución que surgen contra el decorativismo barroco, que vendrá de la mano del neoclasicismo. La admiración por estilos arquitectónicos historicistas caracterizará la primera mitad del siglo XIX. Pero el siglo XIX también nos depara espectaculares novedades en el campo de la arquitectura. La aparición de nuevos materiales como el hierro, el hormigón, el vidrio o el acero traerá consigo importantes transformaciones técnicas. Bueno, para saber más, aqui teneis el vídeo (venga que solo dura 4:31 minutos). Realmente espectacular!! P.D: un saludo para Rietveld y su maravillosa casa Schröder!! (neoplasticista...perfecta...)

Exposición George Nelson

2009-08-03T03:14:00.000-07:00

El otro dia estaba caminando por los alrrededores de esta exposición, que se encuentra en la fundación Pedro Barrié de la Maza en A Coruña. Viendo el motivo de la exposición no pude resistirme, y la verdad es que estuvo interesante. Pero empecemos hablando sobre George Nelson, que es la figura principal de dicha exposición: *George Harold Nelson nace el 29 de mayo en el año 1908. Este personaje fue una de las figuras que acuñaron el diseño americano de la segunda mitad del s.XX. Graduado en Arquitectura,no sólo fue un buen arquitecto y diseñador, sino también un escritor y publicista reconocido, un profesor, un creador y organizador de exposiciones y un fotógrafo apasionado. De factoría propia son muebles y diseños de interior convertidos ya en clásicos de la modernidad: es el caso de la silla Coconut (1956); del sofá Marshmallow-este me encanta- (1956); del reloj-pelota (1947) y de las lámparas burbuja (1952). Desde mediados de los años 30 hasta finales de los 50, Nelson se ocupó de forma intensa de temas relacionados con la vivienda y la decoración de la casa: por ejemplo, en su libro Tomorrows house (1944) formuló la idea revolucionaria de la pared-almacén. Y como su nombre indica, consiste en utilizar las paredes de la casa como lugares de almacenamiento, mediante armarios con puertas correderas que las cubren de extremo a extremo. Con la misma intensidad que en los casos de la arquitectura y el mobiliario, Nelson trabajó en la decoración de oficinas, diseñando entre otras cosas, la primera mesa de despacho unipersonal con forma de L. La gran diversidad desplegada por sus talentos encontró un punto culminante en1959, con ocasión de la creación y organización de la American National Exhibition de Moscú, donde Nelson y sus colaboradores expusieron una amplia selección de productos prodecentes de la industria americana. Y ahora podeis ver algunas de sus obras en la siguiente presentación:

P.D: si podeis, ir a esta exposición!! No tiene desperdicio, y vereis la mayoría de las obras citadas anteriormente.

Moais de la isla de Pascua

2009-07-30T03:07:00.000-07:00

Un Moái es una especie de estatua de piedra monolítica, y que sólo se encuentra en la isla de Pascua o Rapa Nui. Actualmente estas esculturas de piedra son el principal centro turístico de la zona, y sus habitantes viven de la pesca. Existen alrrededor de 600 moais repartidos en toda la isla, y que fueron tallados por los antiguos rapa nui. En 1978, se descubrió que en los huecos de los ojos se colocaban placas de coral a modo de ojos, aunque ya no se conservan "in situ", pues fueron retirados o destruídos. En el s. XVIII llegaron una serie de navegantes europeos a esta isla de Pascua, pero no podían creer lo que estaban viendo. Pues descubrieron cientos de estatuas enormes de piedra colocadas en la superficie de la isla. El significado que puedan tener estos moais es todavia incierto, aunque hay algunas teorias al respecto. Se dice que fueron talladas por los polinesios de las islas, entre los s. XII-XVII y que podrían estar relacionadas con antiguos antepasados difuntos, de manera que pudiesen proyectar sus poderes sobrenaturales sobre sus descendientes. Por otra parte se tenían que colocar en plataformas ceremoniales, con sus rostros mirando al interior de la isla. Y tras colocarles los ya mencionados ojos de coral, se convertían en el rostro vivo del ancestro. Todos los moáis que estuvieron erigidos sobre sus ahus (plataformas ceremoniales) miraban al interior de la isla, excepto los siete situados en el Ahu Akivi, que al parecer representan a los siete exploradores (recordad que el sitio siempre ha sido un número mágico...) que precedieron a los primeros colonizadores. Y ahora os estareis preguntando...¿y como han conseguido construir todo esto? Pues se cree que una serie de montañas fueron removidas para su creación. De echo la roca volcánica podía ser trabajada con relativa facilidad con determinadas herramientas, dándoles la forma que tienen en las propias canteras. Posteriormente eran colocadas y semienterradas en sus respectivos lugares. No se sabe exactamente cómo eran trasladados, pero es casi seguro que dicho proceso exigió el uso de trineos o rodillos de madera. P.D: no se que os parece a vosotr@s...pero a mi este tema me resulta muy interesante!! siempre me han despertado cierta curiosidad estos moais...!!!